Germana Galdi presenta alla galleria Micro Arti Visive il suo progetto artistico “Drawing in the the key of jazz”, curato da Paola Valori. Dopo varie esperienze espositive, Germana Galdi ha sentito la necessità di riproporre qualcosa che aveva già realizzato in una mostra concerto, regalandosi più tempo per esplorare e soffermarsi sul suo vissuto con un genere musicale che per anni l’ha accompagnata: il jazz. La musica è stata uno dei motori della sua esistenza alla quale non ha mai rinunciato, fonte di ispirazione costante della sua produzione. Una scintilla che si è accesa da giovanissima grazie all’ascolto casuale di una leggenda del jazz come Ella Fitzgerald che ha fatto della tecnica e della versatilità la sua cifra stilistica; due marchi di fabbrica  che appartengono anche all’arte di Germana Galdi, artista poliedrica che ha saputo nel tempo attraversare diversi linguaggi espressivi; dall’astratto in acrilico, all’acquarello,  dalla pittura su stoffa alla china, fino alla fotografia e al body painting, quest’ultime due l’hanno vista protagonista anche come modella. Tra i progetti più identificativi dell’arte di Germana Galdi, merita un focus a parte Riflessi e trasparenze nato nel 1996; un affascinante combinazione tra vetri e metalli e la loro interazione con la luce, elemento cardine delle sue opere, che sottolinea la metafora che rappresenta al meglio il suo mondo interiore. “Più siamo trasparenti con noi stessi al pari del vetro, lavorando sulle nostre emozioni, scavando nel nostro io, più saremo capaci di rifletterlo all’esterno come il metallo, influenzando tutto ciò che ci circonda”, dice l’artista. L’idea embrionale di “Drawing in the key” of jazz nasce nel 2018 e nel corso del tempo viene a comporsi di dieci opere astratte su tela formato 50 x 60 numerate dal Jazz n. 1 e successive.  In sequenza si associano a brani come: I kind of bluedi Miles Davis, Black market dei Weather Report, Take five di Dave Brubeck, Giant steps di John Coltrane, Moanin di Art Blakey, Kiss and run di Sonny Rollins, It don’t mean a thing di Ellington, A night in Tunisia di Gizzie Gillespie, Spain di Chick Corea e infine Cantaloupe island di Herbie Hancock. A latere di questa produzione, cuore “sonante” della mostra, si affiancheranno dei piccoli “Ritratti metaforici” ideati a partire dal 2017 attraverso date, frasi, oggetti e simboli di alcune delle leggende del jazz come: Ella Fitzgelald, Etta James, Billie Holiday, Chet Backer e Miles Davis. Nel corso sia del vernissage sia del finissage, la musica costituirà un elemento portante di questa mostra grazie al prezioso contributo di due grandi musicisti che accompagneranno il pubblico in un’esperienza immersiva unica, che fonderà jazz e arti visive. Germana Galdi si racconta e ci racconta il suo mondo in questa intervista. Cara Germana, ci racconta di lei? Sono una persona semplice che vive priorità diverse rispetto alla società. Ho necessità di esprimermi in vari modi e sono costantemente alla ricerca di stimoli, se pure artisticamente parlando, mi alimento da sola sufficientemente. Con impegno quotidiano sto cercando di percorrere la mia strada che per vari motivi non ho avuto occasione di intraprendere prima, utilizzando i miei talenti se pure alcuni in età adulta. Come arriva il mondo dell’arte nella sua vita? Arriva con una consapevolezza che si è mostrata nel tempo. Essendo autodidatta ho faticato a riconoscermi seriamente, perché se pure ho avuto quattro nonni artisti e un padre poliedrico definito artisticamente geniale, il fatto di averli persi prematuramente o non averli conosciuti, mi ha sconfortato per anni. Inoltre, farmi da sola in un ambiente come quello artistico è qualcosa di davvero complicato che richiede costantemente l’energia di ripropormi ogni giorno a me stessa e a chi osserva. Considerando che spesso non si osserva o non si ha la sensibilità di osservare e distinguere cosa si ha di fronte. Il suo progetto artistico “Drawing in the the key of jazz”, curato da Paola Valori, di cosa parla? Parla del mio legame con la musica e in modo particolare del jazz. Desidero esternare sensazioni ed emozioni associate a colori. Ciò che mi interessa è condividere momenti che ho vissuto ad esempio negli acquerelli figurativi dal tema “Riflessi e trasparenze dal 1996” e anche con le dieci tele astratte in “Jazz”, che ho associato ad alcuni brani musicali. Esporrò anche alcune “Trame di vita” che propongono con un astratto di grandi dimensioni associato ad un figurativo stilizzato. Perché ha sentito l’esigenza, dopo varie esperienze espositive, di riproporre qualcosa che aveva già realizzato in una mostra concerto? Perché sono anni che desidero realizzare questo progetto, che sempre può essere ampliato, riproposto in modo più strutturato con una ulteriore produzione. In passato sono andata vicina a ciò che desideravo e il mio obiettivo non era ancora stato raggiunto come io lo intendevo. Inoltre, siamo curiosi: una mostra concerto che cosa è? Ho invitato al vernissage e al finissage due musicisti jazzisti di professione con i quali ho un feeling da alcuni anni e nell’aria era già l’idea di trovare occasione di incontro. Nicola Mingo, ottimo chitarrista ci proporrà alcuni suoi brani di grande pregio che ho avuto il piacere di ascoltare live in diverse occasioni. Theo Allegretti pianista, ci sorprenderà facendosi trasportare dalle mie opere suonando senza un qualcosa di scritto. Il jazz e la musica che cosa sono per lei? Sono mezzi espressivi di enorme impatto che chiaramente in modo soggettivo influenzano stati d’animo … per me è un legame vitale da quando sono ragazzina e che successivamente ho vissuto in modo particolarmente intenso, considerando gli amici conosciuti nel corso degli anni e un legame di nove anni con un ex compagno jazzista. Il jazz è una musica di grande sensualità che mi fa immaginare e entrare in dimensione ed atmosfera talvolta struggente. Tuttavia, la speciale carica erotica che lo caratterizza è qualcosa che mi cattura totalmente. Oltre all’avere cultura musicale qui il tema fondamentale è cosa a me arriva e come si trasforma, questo voglio spartire con il visitatore. Come si coniugano nella sua vita artistica? Quando dipingo in modo particolare o comunque quando creo

Torna in scena al Teatro7 “Trasteverini”, una commedia musicale di Andrea Perrozzi e Gianfranco Vergoni, da un soggetto di Veruska Armonioso, con Irene Cedroni, Francesca Cinanni, Valerio De Negri, Emanuele Di Luca, Silvia Di Stefano, Chiara Famiglietti, Roberta Marini, Valentina Naselli, Ilaria Nestovito, Andrea Perrozzi, Brunella Platania, Alessandro Salvatori, Elisabetta Tulli. Il tutto per la regia Fabrizio Angelini. Le liriche sono di Armonioso, Vergoni, Tulli, le musiche di Andrea Perrozzi. La vera protagonista di questa splendida commedia musicale è l’anima stessa di Roma, una città concreta, moderna, che sogna, fatica, sorride per andare avanti, senza dimenticare ciò che ha lasciato indietro. I protagonisti della commedia sono persone comuni, un panettiere, un meccanico, il gestore di un ristorante, dipinti dalla sapiente regia di Fabrizio Angelini. Ognuno ha un sogno, crede in qualcosa, ognuno ha una speranza e la vive con la spensieratezza ed il sorriso tipico della romanità, quella vera. La meravigliosa musica di Andrea Perrozzi dà voce a questi personaggi e tesse, nota dopo nota, una trama che soltanto il destino più beffardo potrà districare. “Trasteverini racconta di sogni, realizzati o infranti, di cos’è la felicità, quella raccontata e quella vissuta davvero, tutto questo nella magica cornice della nostra città” (Perrozzi&Salvatori). Abbiamo intervistato Fabrizio Angelini che ci porta dentro al mondo di Trasteverini. “Trasteverini” torna a teatro, un bel successo? Si, decisamente. Festeggiamo i 15 anni dalla nascita, o meglio dall’Original Concept, come direbbero in America. In questi anni lo spettacolo è stato ripreso molte volte, con interpreti che si sono avvicendati e che torneranno quasi tutti in questa occasione speciale, alternandosi dunque in alcuni casi nei vari ruoli di replica in replica. Il vero successo direi che è l’affetto che gli interpreti hanno nei confronti di questo lavoro e dei colleghi, al punto, se liberi da altri impegni, da accorrere ogni volta con entusiasmo. Una regia superlativa? Ah, non sta a me dirlo! Lo spettacolo è nato quasi a budget zero, non sapevamo se avrebbe avuto un futuro e quale, c’era una sola data come debutto all’orizzonte e con i colleghi accorsi alla “chiamata” abbiamo iniziato le prove in un ristorante compiacente, ovviamente negli orari di chiusura. Da lì è partita l’idea dell’uso delle 8 sedie, che sono la costante di tutto lo spettacolo, insieme ad un tavolo. Per il resto lo spettacolo è stato scritto sugli attori, tenendo presente le loro qualità, la loro personalità; dunque, il “lavoro sugli attori” è stato tutto sommato semplice, complice anche la collaborazione e la loro voglia di esserci, concentrandosi molto sulla naturalezza. Caratteristiche cercate e ritrovate poi ad ogni cambio di cast. Chi è la vera protagonista di questa splendida commedia musicale? Di fatto è Roma. La Roma di oggi, sia pure di 15 anni fa (certe frasi di allora sono più che attuali), che non vediamo ma sentiamo e percepiamo dai discorsi dei personaggi che alternativamente sono solisti o coro, nella citazione di alcuni luoghi, nelle descrizioni delle difficoltà di una città come la nostra, fino ad arrivare al brano “La mia città”, un vero e proprio inno d’amore scritto da Andrea Perrozzi per la Capitale, brano che però nello spettacolo non canta lui. Chi sono i protagonisti della commedia? Dario è un busker che sogna la carriera artistica, ma è ingenuo e si lascia truffare da un impresario lestofante; Enrico è un meccanico coinvolto da Dario nelle sue avventure; Adriana è l’eterna fidanzata di Dario, che lavora nel ristorante del padre; Gabriella è la segretaria dell’impresario, che avrà poi una storia con Enrico. Insieme a loro c’è il personaggio chiamato Centovoci, una sorta di narratore che interpreta vari personaggi. E poi ci sono Nina, la sorella di Dario, le sue amiche Iva e Sara, e Mirko, uno strozzino che circuisce Nina. Il duo Perrozzi&Salvatori lascia sempre il segno? Il duo Perrozzi&Salvatori l’ho visto nascere, nel senso che i due si sono conosciuti nel cast di Jesus Christ Superstar nel 2006, spettacolo prodotto dalla Compagnia della Rancia, del quale ho curato regia e coreografie. Dopo il debutto di Trasteverini è nato il sodalizio che periodicamente presenta un lavoro, sinonimo di affiatamento, di qualità e di voglia “artigianale” di fare Teatro, caratteristiche nelle quali mi ritrovo in pieno. Lei sogna? Se intende sognare la notte, credo di sì come tutti, ma purtroppo raramente ricordo i miei sogni., Il mio analista era molto colpito da questo fatto. Il punto è che soffro anche di insonnia, fatto sta che probabilmente sogno, ma non so cosa. Se invece parliamo di sogni a occhi aperti, allora sì, ovviamente. Parlando però del nostro lavoro, sono stato molto fortunato, e molti degli spettacoli e delle esperienze che sognavo di fare, ad un certo punto della vita sono arrivati. A volte ho dovuto aspettare anche molto (è il caso ad esempio di CATS, che è arrivato in questa stagione al compimento dei miei 60 anni), ma hanno vinto lo studio, la costanza, la tenacia, il non lasciarsi andare e il crederci sempre, impegnandosi fino allo stremo. Perché ognuno ha un sogno, crede in qualcosa, ognuno ha una speranza e la vive con la spensieratezza ed il sorriso tipico della romanità, quella vera? Forse la risposta a questa domanda, senza retorica, si può trovare andando in un punto panoramico di Roma al tramonto… Allora sì che “te se apre er còre”, come direbbero i nostri personaggi… E in mezzo ai disagi, alle brutture, al traffico e ad un certo modo discutibile di essere romani (e io sono romano de Roma) questa città aiuta secondo me a vivere in un certo modo, appunto con la spensieratezza e il sorriso, quando possibile… Chi sono i protagonisti e cosa fanno? Diciamo che oltre a quanto detto sopra cercano di sbarcare il lunario, andando in alcuni casi ad infilarsi anche in situazioni drammatiche. Tra canzoni, litigi, passeggiate, temporali e chiari di luna, la storia si complicherà, alternando momenti i drammatici a quelli brillanti, fino a una conclusione che aspira a ridefinire il concetto di “lieto fine”, ma c’è davvero nella vita il

Rebecca Testi, dieci anni, un sorriso che le illumina il volto, due occhi pungenti che bucano l’anima, una freschezza vivace e leggera, simpatica e intuitiva, con in tasca tanti sogni. È lei che ha interpretato nella fiction “Fosca Innocenti” Vanessa Incontrada da piccola. Un’esperienza unica come lei stessa ci racconta in questa intervista insieme alla mamma e al babbo. “Io e mio marito Gabriele – racconta la madre di Rebecca, la dottoressa Chiara Buresti – siamo lontani da questo mondo, ci siamo entrati in punta di piedi, sebbene fossimo molto curiosi. La produzione ci ha messo a nostro agio, potevamo stare sul set – Rebecca è minorenne per cui era normale la nostra presenza – ci hanno coinvolto con gentilezza e professionalità. È stata un’esperienza indimenticabile. Sia Vanessa Incontrada sia Francesco Arca sono due persone splendide, entrambi hanno preso Rebecca sotto la loro ala, se la coccolavano oltre che consigliarla”. Rebecca è arrivata nel set grazie al suo amore per i cavalli e alla grande somiglianza con l’attrice e conduttrice di origine spagnola che da tantissimi anni vive in Toscana. Non solo, la madre di Rebecca, più volta è stata scambiata per la Incontrada, ecco che il passo è stato breve e Rebecca si è conquistata il cuore non solo della produzione ma anche degli attori che l’hanno coccolata facendola sentire a casa.    Cara Rebecca, raccontaci di te: quanti anni hai, che scuola fai, le tue passioni. Così possiamo conoscerti. Sono Rebecca Testi, ho quasi undici anni e frequento la quinta elementare. Adoro i cavalli e la ginnastica artistica: due sport che faccio con passione. Ho saputo che hai avuto una parte nella fiction “Fosca Innocenti”? Sì! Cercavano una bambina che andasse a cavallo e assomigliasse a Vanessa Incontrada. Così la produzione ha chiesto alle varie scuole di equitazione di Arezzo. La mia insegnante ci ha informato chiedendoci se ci interessasse. Io l’ho detto ai miei genitori, abbiamo mandato le fotografie sia mie sia dei miei genitori. E che cosa è successo? Mi hanno scelta. Pensa mia mamma assomiglia molto a Vanessa Incontrada. Davvero? Spesso in vacanza l’hanno fermata chiedendole l’autografo perché la scambiavano per Vanessa Incontrada. Però non era lei! La mamma cosa ci racconta del fatto che assomiglia a Vanessa Incontrada. Come si è sentita ad averla accanto? (Chiara Buresti, la madre di Rebecca) Nel corso degli anni è capitato alcune volte che mi confondessero con Vanessa Incontrada. Soprattutto quando avevo i capelli diversi, era facile che mi fermassero. Anche lei, quando ci siamo incontrate, mi ha detto: “Mamma mia, c’è qualcosa che ricorda me!”. Perciò quando hanno visto Rebecca e hanno chiesto la foto dei genitori subito si sono accorti della somiglianza. È un mondo diverso ma anche molto affascinante? (Chiara Buresti, la madre di Rebecca) Molto! Rebecca, torno a te, come ti sei sentita all’interno di questa esperienza cinematografica? Per me è stata un’emozione bellissima. Che cosa ti ha emozionata? Tutto l’insieme, l’esperienza. Vedere gli altri attori recitare, ripetere le scene più e più volte fintantoché non venivano perfette. Le tue scene quante volte le hai ripetute? Cinque volte, dovevano prendere le varie angolazioni. È la tua prima esperienza recitativa? Sì! la prima in assoluto. Quanto è durato il tuo impegno nel set? Un paio di giorni. Il primo giorno dovevano anche schiarirmi i capelli per poter assomigliare ancora di più a Vanessa Incontrada da piccola. È stato un po’ difficile anche perché lei ha i capelli mossi e i miei sono liscissimi. Così c’è stato bisogno di aggiustarli molto bene. Cosa ti piacerebbe fare da grande? Vorrei fare la veterinaria, adoro gli animali, soprattutto i cavalli. La recitazione non ti è piaciuta? Moltissimo, ma diventare veterinaria è il mio sogno. Poi, se ci sono altre occasioni perché no, sono pronta a mettermi alla prova. Tu hai un animale domestico? Abbiamo una cagnolina. Pensa ci è salita in auto, era una trovatella e da allora è stata sempre con noi. Come si chiama? Birba. Birba, perchè? Perché è un po’ “birba”! Abbaia sempre, è agitata, però in casa la adoriamo tutti. I tuoi amici cosa ti hanno detto vedendoti in televisione? Sono stati contenti. Mi chiamavano, commentavano la mia parte, insomma è stato davvero bello. Tu, invece, come ti sei sentita, che cosa hai pensato vedendoti? Ero molto emozionata. Poi, ho pensato che mi avrebbero visto tantissime persone, questo è stato molto bello per me. pensa sono stata anche un paio di volte nel giornale. Un grande successo! Cosa riportava il giornale? Ci sono stati due articoli. In uno hanno parlato di me che interpretavo Vanessa Incontrada da piccola, l’altro, invece, per essere nel concorso “Aretina dell’anno”. Sono arrivata tra i primi dieci. Cosa resta in te di questa esperienza così particolare e diversa dal tuo quotidiano? Oltre a essermi emozionata tanto, mi sono sentita molto coccolata dagli attori. Inoltre, gli attori hanno tantissima pazienza a ripetere tante volte la stessa scena. Stare nel set è faticoso. Stavano tantissime ore, dal mattino presto fino a tarda sera soprattutto quando dovevano girare delle scene in notturna oppure al mattino presto. È stato difficile imparare il copione a memoria? Non avevo delle battute. Sono solo andata a cavallo e poi camminavo in un campo di girasoli. Il babbo e la mamma si aspettavano di avere una figlia attrice? (Chiara Buresti, la madre di Rebecca) No, assolutamente. Poi, Rebecca è così spontanea, tranquilla. All’inizio non si è nemmeno resa conto che sarebbe finita in televisione, era un gioco, un momento diverso divertente, un’esperienza. Lo stesso anche per noi, oltre che, come ho detto, una bellissima esperienza. La sorella come ha vissuto l’esperienza di Rebecca? (Chiara Buresti, la madre di Rebecca) La sorella è stata tranquilla. Contenta sebbene tra sorelle, a volte, c’è qualche battibecco ma fa parte del momento di incontro e crescita. Dopo era contenta anche lei, ne parlava con orgoglio. Rebecca sono di nuovo con te: se dovesse capitare qualche altro casting? Sarei molto felice. La presente intervista è stata letta e approvata dai genitori

Il 15 e 16 aprile al Teatro Porta Portese di Roma ci sarà la prima nazionale di: “7 Sogni”. Una commedia scritta e diretta da Alessandro Fea. Interpreti: Matteo Baldassarri, Silvia Nardelli, Giancarlo Testa, Monica Viale. Sfratti, disabilità, demenza e prostituzione accendono la narrazione di una realtà sociale diffusa. Roma come New York per i “nati ai bordi di periferia”. Quattro personaggi in cerca di sogni! Precisamente “7 sogni”, come il titolo della commedia agrodolce, suburbana, carica di denuncia e speranza scritta da Alessandro Fea, che ne è anche autore delle musiche. Quattro storie – interpretate dalla compagnia teatrale Sofis: Matteo Baldassarri, Silvia Nardelli, Giancarlo Testa, Monica Viale – che s’intrecciano tra loro a filo doppio, quello della denuncia sociale e quello dell’ironia amara delle periferie. Come una corrente alternata che alimenta rabbia e speranza. Sfratti, disabilità, demenza e prostituzione accendono la narrazione di una realtà sociale diffusa. Roma come New York, per i “nati ai bordi di periferia”. Quelle periferie del mondo e dell’anima che gridano al ritmo dei sogni di una vita migliore. “La nostra società vista dagli occhi di chi dalla società stessa è messo al bando, è un punto di vista che mi ha sempre incuriosito, forse perché ne mette a nudo i difetti, i controsensi, la cattiveria, il cinismo… e forse questi “emarginati” che ho creato per “7 sogni”, ci danno un esempio di come si potrebbe essere noi diversi, più umani, più accoglienti. È una storia di cuore, di sentimenti e di semplicità”, afferma l’autore della commedia, Alessandro Fea che ci racconta e si racconta in questa intervista emozionante. “7 Sogni” un’opera in prima nazionale di cosa parla? La storia di un condominio sotto sfratto, in una Roma emarginata. Una storia di sfratto come tante purtroppo, dove le esigenze economiche di enti, banche, società passano sopra a tutto. E distruggono spesso vite umane. E all’interno di questa cornice, 4 personaggi combattono le loro vite. Diversi, ma uniti sotto la cornice della voglia di lottare. Perché 7 sogni e non, ad esempio, otto? Ognuno di loro insegue un sogno. Ognuno di loro è animato da un sogno interiore che gli dà la forza. 7 perché è un gioco che si inventano e che verrà svelato durante lo spettacolo. Chi sono gli interpreti? Una donna con un fratello problematico, a cui deve badare da sempre. Una Gattara. Un ragazzo in fase di transizione sessuale, che finisce a fare la marchetta. Quattro stereotipi di mondi differenti, ma uniti tra loro con un filo: la voglia di lottare. Perché focalizzare l’attenzione su: sfratti, disabilità, demenza e prostituzione? Perché sono tematiche troppo spesso tenute nascoste dai media. C’è una tendenza a nascondere sotto il tappeto problemi creati da governi stessi. E da una società che sappiamo bene quanto sia violenta e cinica. Sugli sfratti, conosciamo la folle situazione degli affitti nelle città, e quante volte succedono per morosità perché le persone non riescono ad arrivare a fine mese. E non si cercano strategie. Per esempio, sappiamo bene quanti stabili siano vuoti e sfitti e non vengono dati a famiglie che ne hanno bisogno anche o le difficoltà delle liste per le case popolari. Non esiste un piano sociale su questo settore. Niente. Il vuoto. La disabilità? Sulla disabilità, io lavorando nel settore, ne ho viste e ne vedo in continuazione di situazioni drammatiche che non hanno supporto di nessun tipo, solo parziale. Mi riferisco a sostegni economici, a supporti psichiatrici o medici, al sostegno. Spesso ragazzi e famiglie che necessitano di aiuti, aspettano mesi, anni. I tagli economici su questo settore da anni e anni sono vergognosamente devastanti. Credo sia una delle piaghe sociali peggiori.  Su cui si tace. Perché, ovviamente, chi poi può permettersi di andare privatamente, risolve.  Ma chi non può? Per non parlare del famoso “dopo di noi”, dove l’incubo per genitori e fratelli è il “cosa farà” la persona problematica o disabile, qualora venissero a mancare i genitori, i fratelli. La prostituzione? Sul discorso prostituzione, c’è tanto da dire. Nello spettacolo il tema reale è la transizione sessuale. La prostituzione è una conseguenza in questo caso. E sulla transizione si aprono mondi di potenziali riflessioni. A me personalmente è un tema che ha sempre toccato. La prostituzione che spesso avviene in ambienti degradati è una delle piaghe sociali più devastanti che abbiamo. Partiamo dal commercio di minori, a strutture criminali che gestiscono racket interi. E quello che mi chiedo sempre è: possibile che tutti facciano finta di niente sempre di fronte a queste cose? Che sono sotto gli occhi di tutti? Riassumendo? Sono tutte tematiche così presenti e centrali nella nostra società, che mi chiedo perchè ancora oggi siano senza soluzione o perchè si fa finta che non esistano. Dove e come si nasce dettano le coordinate del destino? Assolutamente, come imprinting iniziale. Nascere in una Favelas o al centro di Roma è ovviamente un universo diverso. È vero che nella vita tutto puo ’cambiare, noi stessi per certi versi siamo padroni del nostro destino. Però, non per tutti è così. Nella mia visione, ci sono persone a cui “dice male”, a cui la vita riserva continuamente sorprese negative. Altre positive. Ripeto, vero che siamo artefici in gran parte del nostro destino, ma il luogo e l’ambiente dove nasci, influenza tanto ciò che siamo. Io ritengo sempre anche che esistano delle persone che non hanno scelta nella loro vita. Esistono persone a cui l’esistenza non da una seconda opportunità, o una via di fuga. E sono tante, che magari nascono in posti e contesti assurdi, in situazioni drammatiche, da cui non hanno scelta su come uscirne. Ed oltre al destino ovviamente, esistono quelle che si chiamano le famose “sliding doors”. Ovvero quei momenti, quei bivi, che condizionano e cambiano completamente le nostre vite. È il mistero della vita in fondo. I personaggi dello spettacolo in fondo hanno questa cornice. Una sorta di strada segnata, da cui cercano di deviare. Quattro personaggi in cerca di sogni, l’autore dove è rimasto? Considerando che siamo abituati a

Sabato 13 maggio Ettore Fiore e Alessandro Campaiola presentano “Rivivere”, un cortometraggio con Alessandro Campaiola, Franco Mannella, Monica Ward, Noemi Medini, Federico Campaiola, Flavio Marini. La trama racconta che Michele si risveglia continuamente in macchina: rivive la scena della morte del padre in un incubo ricorrente. Non riesce ad accettare quell’evento e crede che non valga più la pena continuare a vivere. Poi, qualcosa in quel sogno cambia. I dialoghi con il padre non sono più gli stessi. È un sogno o sta davvero parlando con suo padre, l’unica persona in grado di rassicurarlo nel momento del bisogno spingendolo a riprendere in mano la propria vita? “Michele è un ragazzo che non riesce a superare il trauma della perdita del padre. Questo anche a causa del suo carattere sempre distaccato nei confronti della figura paterna, nonostante gli volesse bene. Aveva bisogno del suo supporto, seppur non lo lasciava mai intendere. Da qui anche la loro posizione all’interno delle scene in macchina dove rivive la sequenza prima dell’incidente. Michele difatti si trova sempre a riposare nei sedili posteriori, tanto che il padre alla guida, dovrà usare lo specchietto retrovisore per guardarlo in viso. Un dettaglio che ci tenevo a far notare proprio perché sottolinea ancora di più quel distacco tra i due, che andrà a colmarsi solo nella sequenza finale. In quest’ultimo incontro Michele si troverà infatti nel sedile anteriore di fianco al padre. Questo anche per richiamare la sua posizione nella realtà tanto che per la prima volta avrà anche il suo aspetto e gli abiti che indossa nel presente. Questa volta però non sta rivivendo semplicemente il momento dell’incidente, ma avrà un faccia a faccia “reale” con il padre. Poi starà allo spettatore credere se sia tutto frutto della sua immaginazione, o se davvero, nel momento più buio della sua vita, abbia avuto un vero incontro con lui in un piano tra il sogno e la realtà”, racconta il regista Ettore Fiore. “Tra amici passiamo spesso serate in cui vediamo film o parliamo di cinema e progetti personali. In una di queste mi rivolgo ad Alessandro Campaiola e gli spiego il bisogno di realizzare un’idea che avevo in mente da tempo. Qualcosa da realizzare assieme, con lui come protagonista e io alla direzione. Il periodo della pandemia non aveva aiutato e tra un coprifuoco e l’altro riusciamo a scrivere finalmente la sceneggiatura di “Rivivere”. All’interno di essa abbiamo inserito molto di noi, anche riferimenti e citazioni ad avvenimenti reali, proprio per rendere il risultato il più personale possibile e poter dare il meglio di noi. Per la prima volta in vita mia mi hanno permesso di concentrarmi unicamente sulla regia” continua Ettore Fiore. Abbiamo intervistato, Alessandro Campaiola, uno dei protagonisti che ci porta all’interno di questo lavoro intenso e denso di significati. Il cortometraggio Rivivere di cosa parla? Parla di morte, di vita ma soprattutto di rinascita. Parla della difficoltà per un essere umano di accettare una perdita e quanto una perdita può impattare negativamente sulla vita di qualcuno. Parla di come una persona può trovare la forza per affrontare un lutto. Da chi è formato il cast? Il cast è composto da me, Alessandro Campaiola, nel ruolo di Michele; Franco Mannella, attore straordinario senza il quale questo cortometraggio non si sarebbe potuto realizzare, nel ruolo del papà di Michele; mia madre Monica Ward che interpreta la madre di Michele; mio fratello Federico Campaiola e Flavio Marini che interpretano due brutti ceffi di quartiere; ed infine Noemi Medini amica d’infanzia di Michele e di cui ha una cotta. Perché Michele ha un incubo ricorrente? L’incubo è dato da un forte trauma che è la perdita del padre in un incidente stradale in cui anche Michele è coinvolto, ma è lui l’unico superstite. L’incubo è una rappresentazione del suo blocco temporale a quel momento. È come se anche lui fosse morto quel giorno, lui si è fermato lì e non è più andato avanti. Cosa rappresenta per Michele la morte? E la morte del padre che significato ha nella sua esistenza? Riusciamo veramente a dare un significato alla morte? Il punto è che alla morte spesso non si riesce a dare un significato. Michele, il protagonista, non riesce a dare un significato alla morte del padre e per questo si blocca e si ritrae alla vita. È un cambiamento di rotta: Michele perde la voglia di vivere, abbandona i suoi sogni e finisce in brutti giri. C’è, nel cortometraggio, la ricerca del senso e del significato della vita e della morte? Questo progetto è arrivato in un momento della mia vita in cui ho vissuto un lutto e in quella di Ettore Fiore, che poi ha avuto l’idea, in cui c’era molta paura di perdere una persona amata. In quel momento entrambi stavamo proprio vivendo questa ricerca di cui tu parli e quindi è stato inevitabile trasferirla nel corto. Il vero protagonista è il trauma? La vera protagonista di questo cortometraggio è la rinascita. In quest’epoca dove si vive poco la spiritualità si fa più fatica ad affrontare la morte e si fanno veramente i conti con tematiche importanti e il ritornare a vivere dopo il lutto è il tema di questo corto. Sembra una seduta di analisi dove il padre diventa la proiezione del figlio e rivive nel qui e ora per riordinare emozioni e vissuti, oppure è solo una mia interpretazione errata? Interpretazione più che giusta ma sbagliata allo stesso tempo. Vorremmo che lo spettatore interpretasse a modo proprio il cortometraggio, il suo significato è soggetto a più interpretazioni e anche quella che dici tu potrebbe essere corretta. L’essere umano quante volte si pone come spettatore della vita? A mio avviso molto poco. Stiamo pretendendo la magia. Oggi c’è la scienza che ci spiega tutto. Nella mia esperienza personale, dopo il mio lutto, mi sono fermato e sono stato spettatore della vita. Prima di quel momento vivevo in maniera sistematica senza farmi troppe domande. Guardare la propria vita da spettatore, invece, è utile per capire in che

Dal 1 al 21 aprile 2023 la galleria Art GAP accoglie la personale fotografica “Se invito il buio, la luce scappa” di Mario Carbone, a cura di Annalisa Di Domenico. “Mario Carbone fotografa situazioni, sguardi, architetture, che trascendono il tempo. Egli non rincorre la bellezza di un’immagine effimera, ma fissa una verità data dagli elementi quotidiani dell’esistenza. Chi guarda le opere di Carbone non può che riconoscersi nel vissuto che lo lega ai suoi simili: ci si rivede nel ragazzino con la palla sotto la maglietta che sembra “incinto”, per riprendere le parole dei bambini, e non si può non provare empatia se si inciampa negli occhi disperati della donna all’osteria “Al vero Albano”, dove si incontravano gli artisti romani negli anni ’50, appoggiata al muro e chiusa nel suo malessere. L’opera fotografica di Carbone va oltre la ricerca della composizione e delle simmetrie, perché egli indaga la verità delle atmosfere di una Roma in bianco e nero in cui due giovani discutono questioni d’amore o due donne scrivono su un piccolo taccuino, incuranti della forza dell’Arco di Costantino, che si erge alle loro spalle. Ma è nella ricerca della luce, o del “buio”, che si scopre la forza delle immagini di questo artista”, racconta Annalisa di Domenico.   La ricchezza sta nei “Contrasti netti disegnano i volumi e ne delineano le figure, come in un dipinto di Raffaello, il buio sembra temere la vicinanza dei toni più chiari, i quali rivelano l’immagine nella sua crudezza. Qui le rughe sul volto della donna anziana evidenziano una vita dura che l’ha segnata non solo nell’animo e la freschezza del viso della donna indiana, imprigionata in un mondo sordo, evidenzia la sua inquietudine. Anche nelle opere a colori, l’artista restituisce la forza della poesia di immagini semplici, attraverso tinte tenui di un mondo quasi rarefatto. In una Piazza del Popolo silenziosa, ritroviamo la figura di una donna seduta su una panchina, cinta in un abito celeste che, persa nei suoi pensieri, sembra voglia suggerire un attimo contemplativo in una città caotica o il piede di una statua antica, in primo piano, scritto da vandali metropolitani che hanno voluto lasciare la loro impronta nel tempo. In tutti questi scatti, Carbone fa rivivere l’umanità che ci ha preceduto, che si è sgretolata ed è divenuta invisibile. Nelle sue inquadrature, egli esplora il mondo eterogeneo degli uomini e delle donne, in un mix di espressioni che partono sempre dalla vita vera. La mostra è un racconto visivo, organizzato con immagini che dialogano due a due, in cui le persone interpretano la precarietà dell’esistenza umana e che Carbone fissa come impressioni fotografiche al di là del proprio tempo” continua Annalisa di Domenico che ci ha regalato una splendida intervista portandoci all’interno dell’anima creativa di questo straordinario artista. Perché: “Se invito il buio, la luce scappa”? In collaborazione con la Fondazione Mario Carbone e con il figlio Roberto, abbiamo scelto come titolo una frase che Mario ha detto, parlando tra sé e sé, così, come fosse una riflessione: “Se invito il buio, la luce scappa”, proprio a sottolineare come soltanto nella dualità, in questo continuo rincorrersi degli opposti, sia possibile creare il contrasto che crea l’immagine nella fotografia. Ma questa riflessione è interessante anche nella vita di ognuno di noi, perché anche in essa è sempre necessario cercare di creare un equilibrio. Nel suo lavoro, Carbone si è interessato tanto alla luce quanto al buio, alla parte “oscura” dell’immagine, e ha dovuto mediare sempre per trovare in ogni fotografia la giusta atmosfera.   La luce catturata da un obiettivo cosa trasmette e crea? È proprio questo il punto, la luce è solo uno degli elementi, perché senza il buio essa non “risuona”. Nelle opere di Carbone si trova spesso questa dicotomia, tanto cha a volte il buio sembra temere la vicinanza dei toni più chiari, ed è in questo alternarsi che si disegnano i volumi, si delineano le figure, e vengono rivelate le immagini nella loro crudezza: nelle rughe sul volto della donna anziana, che evidenziano una vita dura che l’ha segnata non solo nell’animo e la freschezza del viso della donna indiana, imprigionata in un mondo sordo, evidenzia la sua inquietudine. Ogni contrasto evoca qualcosa di più profondo. Quanto è significativo riuscire a fermare un istante che può diventare eterno? Le fotografie in mostra restituiscono momenti autentici di umanità. Gli uomini e le donne che sono stati fotografati da questo artista, hanno continuato a vivere nella loro quotidianità senza rendersi conto di essere diventati protagonisti di un’immagine cristallizzata nel tempo. Carbone ha colto un momento della loro vita “normale” che, però, lui considerava significativa e non importa se questi scatti risalgono al passato, chi ferma lo sguardo sulle sue opere riconosce l’intenzione di Mario, perché le azioni degli uomini e delle donne nascondono sempre significati ancestrali che appartengono alla memoria collettiva. Perché organizzare una mostra fotografica? L’archivio di Mario Carbone è ricchissimo di materiale fotografico e video ed è necessario rendere queste opere fruibili. Con la pandemia siamo stati costretti a fermarci, ma ora dobbiamo con forza riappropriarci degli spazi culturali. Le opere di Carbone e di altri artisti come lui devono avere la possibilità di uscire dagli archivi e di farsi conoscere anche dai più giovani. Si può venire alla mostra perché si decide di farlo o si può “inciampare” nelle fotografie esposte, perché si passeggia per le vie del centro di Roma. L’importante è incontrare questo artista, perché le sue immagini nutrono e ampliano la nostra visione del mondo. Sono tanti i “fotografi” soprattutto al tempo dei social, ma la fotografia di fatto che cos’è? La fotografia contemporanea tende ad essere un mezzo che spesso esaspera la realtà e la vita stessa. Siamo entusiasti di poter postare una foto, ma allo stesso tempo siamo spaventati dai giudizi che essa provoca. Dietro alle immagini che ci rappresentano nella nostra vita onlife, riprendendo il neologismo di Luciano Floridi, spesso non c’è un progetto, un’esigenza di indagine. La fotografia, a mio parere, dovrebbe essere un momento

Emilio Celata è: “Anna Karenina. Un Viaggio in un Magone di prima classe”, di Emilio e Elisa Celata oltre che Sandro Nardi. Il tutto firmato dalla regia di Sandro Nardi. La sfida è importante ma assolutamente riuscita ovvero condensare le 1600 pagine del romanzone “Anna Karenina” in un’ora di teatro divertente, coinvolgente e con una sorpresa finale che non ti aspetti. Cosa questa assai curiosa e intrigante. Perché alla fine vi renderete conto che loro ci sono davvero riusciti lasciando il pubblico con il fiato sospeso fino all’ultimo secondo. Emilio Celata, incastrato in un quadrato di luci, dipinge il surrealismo ritmico dei tanti personaggi che girano intorno alla protagonista, Anna Karenina; donna fuori di sé, caparbiamente presente a sè stessa. La regia visionaria di Sandro Nardi crea atmosfere che tendono a mutare velocemente, i pochissimi oggetti in scena stupiscono lo spettatore quando si trasformano in figure che accompagnano l’attore quasi a non volerlo lasciare solo dentro la scena; Anna appare ritmicamente naif e tremendamente vera, Anna è totalizzante. Il racconto è un insieme di impressioni che, in un saliscendi di vortici intrecciati di surrealismo e verismo, incarnano lo stile di scrittura di Emilio e Elisa Celata e Sandro Nardi. La narrazione non è certo lineare ma lo spettatore riuscirà comunque a uscirne indenne, meravigliato e arricchito. Un lavoro teatrale non solo da vedere e ascoltare ma anche da assaporare e tradurre all’interno del proprio vissuto come quel qualcosa che accarezza, stimola e motiva riflessioni nuove e costruttive. Emilio Celata ci racconta e si racconta portandoci per mano all’interno di questo poderoso lavoro teatrale. Chi è Emilio Celata? È un attore e un autore teatrale che ha trovato nella fantasia del regista Sandro Nardi l’ingranaggio per trasformare testi surreali e grotteschi in spettacoli teatrali originali. Nelle ultime produzioni i testi sono scritti a sei mani con Elisa Celata e lo stesso Nardi e disegnati intorno alle capacità mimiche dell’attore Cosa c’entra Emilio Celata con Anna Karenina? Niente. E questa forse è la caratteristica principale dello spettacolo. Il fatto che il personaggio di Anna sia interpretato da un uomo in veste di uomo sottolinea ancora di più il carattere surreale del testo che apre al pubblico nuove visioni Perché un viaggio in un Magone di prima classe? Una costante del trio autoriale è quello di giocare con le parole. In questo caso abbiamo associato l’elemento principale dei viaggi di Anna Karenina al suo caratteristico stato emotivo. Come è stato possibile condensare le 1600 pagine del romanzone “Anna Karenina” in un’ora di teatro divertente, coinvolgente e con una sorpresa finale che non ti aspetti? Nel momento in cui ci si confronta con un classico abbiamo di fronte due strade: seguirlo alla lettera o affrontarlo in modo libero rischiando di sembrare, a volte, irriverenti. Noi abbiamo scelto la seconda strada che ci ha condotto ad un finale che il pubblico non si aspetta e che merita, ovviamente, di essere vissuto in teatro Quanta Anna Karenina c’è in questo lavoro? C’è tanto di Anna Karenina e c’è tutto quello che ritenevamo essenziale degli altri personaggi Poi perché scegliere Anna Karenina? Si potrebbe dire che si presta bene ad una doppia lettura perché è un esempio di amore passionale e rivoluzionario, ma anche di un amore tossico Che cosa rappresenta nell’immaginario collettivo? Anna è considerata un’icona dell’amore passionale contro tutto e contro tutti. Ma in realtà contro cosa? E nell’immaginario teatrale? Nell’immaginario teatrale è un personaggio tragico quanto moderno. Un personaggio intenso e vero ben scritto dal genio Tolstoj e quindi è possibile coglierne, in teatro, le varie sfumature. Abbiamo sfruttato questa possibilità evidenziando alcuni aspetti che si sono comodamente trasformati in scene bizzarre e comiche. Come Che tipo di regia ha fatto Sandro Nardi? Una regia visionaria che crea atmosfere che tendono a mutare velocemente. Tutto si svolge in un quadrato all’interno del quale l’attore utilizza pochissimi oggetti di scena che riescono a stupire lo spettatore quando si trasformano in figure, accompagnandolo in un viaggio a volte surreale e a volte poetico. Una messa in scena bizzarra con ritmi naif e con un saliscendi di vortici intrecciati di surrealismo e verismo. Come Un attore nel legno del teatro e poi? Ci piace fare un teatro che fa divertire e riflettere, in questo caso abbiamo scelto un classico della letteratura mondiale per mettere in evidenza una figura femminile, appunto “Anna”, che vuole essere una donna emancipata, che vuole avere il potere di decidere da che parte stare e che rompe gli equilibri opponendosi a quel sistema in cui si rifiuta di vivere. Anna è rivoluzione. Anna e la società, colpevole di averla spinta al suicidio, un gesto con cui denuncia la violenza, la falsità, l’ipocrisia. Morirà consapevole di aver vissuto come voleva. Come viene costruita scenicamente Anna Karenina? Si parte sempre da un’idea che poi prende forma. In questa produzione abbiamo pensato che l’attore doveva vivere in uno spazio ben delineato. È nato così uno spazio bianco, delineato da una cornice nera, dotata di luci a neon, un quadro al cui interno nascono le azioni sceniche e dove i vari personaggi dell’opera prendono vita, con azioni sceniche in cui si intrecciano e si creano delle atmosfere surreali, attraverso una messa in scena contemporanea, per una proposta nuova di fare teatro. C’è un fil rouge che lega l’oggi all’epoca di Anna Karenina? Sì, consideriamo la storia di Anna Karenina attualissima e forse, per alcuni versi, addirittura più moderna rispetto alla società di oggi ed è questo uno dei temi principali dello spettacolo. Qual è il messaggio per lo spettatore? È un invito a guardare la realtà da altri punti di vista. Cambiare ottica significa poter trovare dei risvolti comici negli aspetti più tragici e viceversa. Chi sono i compagni di viaggio? Con Emilio Celata Autori: Emilio e Elisa Celta e Sandro Nardi Regia Sandro Nardi Disegno luci Filip Marocchi Scenografia Sandro Nardi Produzione Teatro Boni Andrete in tour? Anna Karenina è in tour. Progetti? Stiamo lavorando ad una nuova produzione che debutterà il prossimo luglio, “Signornò –

Sabato 25 marzo sarà in scena: “Quando hai un piano … accertati che sia quello giusto!” scritto da Luca Giacomozzi, per la regia di Enrico Maria Falconi. Interpreti: Martina Valentini Marinaz e Stefano Scaramuzzino. Un appuntamento importante per un lavoro teatrale che farà molto riflettere. È una commedia in due tempi in cui, dietro la risata e i tempi comici, si vuole sottolineare la voglia di stare in due, pur con litigi e battibecchi. Il testo è scritto da Luca Giacomozzi, proveniente dal cabaret e già autore di brillanti commedie di successo per Franco Oppini, Sandra Milo e tanti altri, mentre la regia è curata da Enrico Maria Falconi. Amore e divertimento prendono l’ascensore insieme, ma continueranno verso lo stesso piano? I protagonisti di questa divertente commedia, un uomo e una donna, si ritrovano per caso nella stessa stanza d’albergo, dove si sono recati per esigenze diverse e per incontrare persone diverse. Nessuno dei due però sa di avere davanti la persona sbagliata. In questa stanza inizia la loro conversazione “equivoca”. Si incontrano/scontrano in un divertente susseguirsi di parole e azioni tra la serietà e la comicità, ma non sembrano comprendersi. “Quando hai un piano … accertati che sia quello giusto!” è veramente una commedia esilarante scaturita dalla penna di Luca Giacomozzi, portata in scena dalla maestria di Stefano Scaramuzzino e Martina Valentini Marinaz. La produzione è di Andrea Leone. Uno spettacolo che parla di amore, soffermando l’attenzione sulla voglia di essere in due. Una commedia adatto un po’ a tutte le età. “Il divertimento è assicurato!  Riusciranno a trovare il modo di combaciare? O è un incastro impossibile? Venite a scoprilo!”, dicono gli interpreti Martina Valentini Marinaz e Stefano Scaramuzzino che insieme ci hanno raccontato questa loro commedia così accattivante e interessante. Arrivati a questo punto non ci resta che dire: “Quando hai un piano … accertati che sia quello giusto!”, siete d’accordo? Eh, sì… perché se fate come i nostri personaggi che sbagliano il piano dell’albergo, vi ritrovate a fare una figura di… anche se poi sbagliare piano ha portato a farci conoscere… ma non sveliamo come quando e perché altrimenti non venite a vederlo. Come si fa a sapere che il piano è quello giusto? Non esiste una risposta semplice a questa domanda poiché dipende dal contesto specifico e delle conseguenze che portano da un errore ad una scelta consapevole e di cuore. Inoltre non è detto che piano trovato sia veramente quello giusto (e nemmeno quello sbagliato). Che cosa vuole mettere l’accento la commedia? Quando le scelte di due persone completamente estranee si incontrano e si mescolano, è come se si creasse una sorta di magia che può portare a un amore possibile, infatti in questa situazione, Dino e Leila si incontrano per caso mentre sbagliano il piano di un albergo (in realtà quella che sbaglia il piano è Leila, la bionda…), e si sentono un po’ disorientati e forse persino frustrati all’inizio. Ma poi, quando si guardano intorno e si accorgono di essere insieme in un luogo nuovo e sconosciuto, nasce una sorta di complicità, una sensazione di “siamo nella stessa barca”. E così, mentre cercano di capire come tornare sui loro passi e trovare la strada giusta, iniziano a parlare e conoscersi meglio, condividendo le loro esperienze e raccontandosi le loro storie.  Nasce quindi una scintilla, un’attrazione reciproca che diventa sempre più forte man mano che si conoscono meglio. E alla fine, quando trovano finalmente la loro destinazione, non vogliono lasciarsi più. E così, da uno sbaglio nel piano di un albergo, nasce un amore possibile, che è l’accento di tutto l’impianto drammaturgico. La risata apre la strada alla consapevolezza? La risata può certamente contribuire ad aprire la strada alla consapevolezza in alcune situazioni. Si dice che quando ridiamo, il nostro cervello rilascia endorfine che causano una sensazione di benessere e piacere. Questo ci aiuta a ridurre lo stress e l’ansia, che spesso ostacolano la nostra capacità di pensare chiaramente e di essere consapevoli del momento presente. Inoltre, la risata può aiutare a creare un ambiente più rilassato e accogliente, come succede al nostro pubblico dove le persone che ascoltano i nostri racconti si sentono a proprio agio e sono più aperte a nuove idee e prospettive. Questo nel nostro lavoro può favorire la comunicazione e la condivisione di idee, che sono entrambe importanti per acquisire una maggiore consapevolezza. Tuttavia, è importante sapere che la risata da sola non è sufficiente per diventare consapevoli o raggiungere una maggiore consapevolezza, infatti vi faremo anche piangere. Spesso si litiga e si fanno battibecchi inutili poi la vita e l’incontro è altro, siete d’accordo? Sì, sia io che Martina siamo d’accordo che spesso le dispute e i battibecchi possono essere inutili e non portano a nulla di costruttivo. Anche se, è possibile che, nonostante queste dispute, si possa continuare a vivere e a interagire in modo positivo con le persone coinvolte. È comunque importante sottolineare che la vita è un insieme di esperienze, emozioni e relazioni che vanno oltre le piccole liti quotidiane. Gli incontri con le persone possono essere molto significativi e arricchenti, indipendentemente dai conflitti che si possono avere con loro. Perché si tende a litigare? Si litiga oggi un po’ per tutto: Differenze di opinione, Mancanza di comunicazione, Frustrazione, Mancanza di rispetto o addirittura Bisogno di avere ragione! È un male “attuale” estremizzato dai social e dalla globalizzazione… tuttavia io e Martina amiamo pensare che questi litigi non sempre sono necessariamente negativi o dannosi, in realtà se gestiti in modo costruttivo possono portare ad una maggiore comprensione reciproca, tutto questo a patto che ci sia un atteggiamento di ascolto e di apertura verso le idee degli altri. Amore e divertimento prendono l’ascensore insieme, ma continueranno verso lo stesso piano? Per Leila e Dino sicuramente sì! Anche se l’amore e il divertimento possono essere componenti importanti di una relazione, ma non sono gli unici fattori che determineranno se la relazione continuerà verso lo stesso piano. È possibile che una relazione inizi con una forte

Martedì 21 marzo torna a Teatrosophia una produzione firmata Teatrosophia dopo il grande successo ottenuto nella scorsa stagione. Si tratta di “Nessuno dopo di te”, scritto e diretto dal direttore artistico Guido Lomoro. Una nuova versione, con un nuovo cast di attori di grande talento, Alessandro Mannini e Tony Scarfì.  Uno spettacolo in cui si mescolano la parola, la poesia ed il movimento scenico e coreografico, quest’ultimo curato dalla danzatrice e coreografa Maria Concetta Borgese. Una storia d’amore intensa, inaspettata, tormentata, bramosa, smodata, appassionata, coraggiosa, scandalosa.Una storia d’amore vissuta tra coraggio e paura. Un tumultuoso viaggio interiore. Lo spettacolo narra l’intreccio e l’incontro/scontro tra due anime, l’una bisognosa d’amore, l’altra votata alla rassegnazione, entrambe incomplete e travagliate. Diego, benestante, ha una vita dopotutto risolta ma affaticata da un inguaribile bisogno di amare e di essere amato. Mirko ha fatto una scelta “ai limiti” sfruttando l’unico talento che pensa di avere. Vive a metà. Nell’assoluta certezza di non meritare un’esistenza migliore. S’incrociano a distanza più volte fino a che arriva il momento dell’incontro. Ne nasce una storia, carica di non detto, vissuta in una gabbia: in comune hanno un alibi che consente ad entrambi di proseguire la loro relazione. Diego, sfidando la comune morale, insegue questo amore, combatte anche per dare una seconda possibilità alla vita di Mirko. Ma quest’ultimo è frenato dalla paura e dal profondo senso di rassegnazione. Accade però qualcosa, di indotto o forse casuale che lo costringe ad una scelta. Alessandro Mannini e Tony Scarfì si raccontano e ci raccontano questo loro intenso lavoro che tanto appassiona il pubblico.   “Nessuno dopo te” o nessuno dopo di voi? Nessuno dopo di te è un po’ una promessa in una relazione. C’è un lungo percorso che ci porta a pronunciare quelle parole. Lo stesso vale tra un regista e i suoi attori. Speriamo di aver fatto nostri i due protagonisti a tal punto da non poter davvero più immaginare nessuno dopo di noi. Questa messinscena ha già subito un cambio cast rispetto alla scorsa edizione; quindi, non sempre è una cosa scontata. Perché interpretare una storia d’amore intensa, inaspettata, tormentata, bramosa, smodata, appassionata, coraggiosa, scandalosa? Sicuramente lo spettacolo nasce da un’esigenza dell’autore, Guido Lomoro, che scrive il testo di getto, in una commistione di prosa e poesia, dove “ordinario” ed “extra-ordinario” si incontrano, scontrano e collimano nella performance live del palcoscenico. C’è troppo “non detto” dietro ad ogni frase per limitarsi a cogliere l’essenza della pièce da una semplice lettura. Andava sicuramente interpretata, sviscerata, vissuta. Tutto questo dove vi ha portato oltre ad avere un grande successo la scorsa stagione? Come detto, lo spettacolo è venuto fuori dalla penna di Guido Lomoro, durante la claustrofobia del lockdown. Quindi l’anno scorso c’era tanta voglia di tornare sul palcoscenico e di far conoscere questo testo al pubblico. Il successo che ne è conseguito è stato un imput per Lomoro per approfondirlo e scavare all’interno delle anime dei due personaggi attraverso una nuova messinscena e persino un nuovo cast. A dirla tutta, è stato leggermente modificato anche il finale. Guido Lomoro è esigente? Guido è esigente come qualsiasi regista con cui ci sia capitato di lavorare. Ovviamente lavora in modo da offrire al suo pubblico un’esperienza unica e significativa, il ché è anche il nostro obiettivo sulla scena. Abbiamo avuto grande libertà di espressione e di confronto per arrivare a cucire questi due personaggi sulla nostra pelle, senza grossi limiti o imposizioni. Perché una nuova versione? Cosa mancava alla prima messa in scena? Non sappiamo esattamente cosa mancasse. Probabilmente adesso lo spettacolo ha acquisito più sfumature, pur puntando in realtà ad una regia più asciutta e semplice della precedente. Potremmo osare dire che sia più autentico. Quanto è difficile mescolare parola, poesia e movimento scenico e coreografico? Entrambi nel nostro passato attoriale ci siamo imbattuti in diversi stili e generi performativi, dal teatro prettamente di prosa a quello più fisico, senza l’ausilio della parola. Questo tipo di lavoro però richiede ancora più attenzione e precisione scenica perché tutti i livelli convivono e coincidono in armonia tra loro, ed è importante che nessuno di questi prevalga sull’altro. Di fatto l’opera di cosa tratta? Tratta di una storia d’amore tra due anime che sembrano indissolubilmente legate e completamente sciolte allo stesso tempo. Quanta paura e quanto coraggio serve in una storia d’amore? Oserei dire tutta la paura e tutto il coraggio che abbiamo. Alle volte la paura stessa di donarsi a qualcuno o di perdere una persona nella nostra vita diventa motore dell’azione del coraggio. Trovare il coraggio di Amare, magari esperito anche attraverso la paura, credo doni tutto un altro sapore ad una relazione. Che cosa narra lo spettacolo? L’incontro/scontro tra Mirko e Diego. Il loro modo di entrare in relazione con l’altro, sia dal punto di vista fisico che emotivo; le loro resistenze che emergono di continuo; e soprattutto l’impatto che un’altra vita ci lascia quando entra in intimità con noi. Voi chi interpretate? Alessandro Mannini interpreta Diego, un ragazzo che apparentemente ha tutto dalla vita ma avverte l’insopportabile mancanza di qualcuno con cui condividerla; Tony Scarfì invece interpreta Mirko, un escort di professione che dopo alcuni momenti difficili nel suo passato, crede di aver finalmente trovato un suo posto nel mondo, fino a ché non incontrerà Diego, pronto a stravolgere la sua vita. Perché a volte si vive a metà? Per mancanza di coraggio. La vita che cos’è? Potremmo dare un milione di risposte a questa domanda o forse nessuna. La vita è ciò che accade, ciò che decidiamo che accada e alle volte va al di fuori di ogni controllo. A Mirko e Diego capita un po’ questo, perdono il controllo ma forse non riescono ad abbandonarsi davvero alla vita. L’incontro con l’altro cosa rappresenta? Una sospensione, un cambio della propria percezione sensoriale e dello spazio tempo. Una continua conoscenza di sé tramite l’altro. Per i nostri personaggi rappresenta soprattutto un motivo per cui lottare. Quanto è importante stare con l’altro in armonia e condivisione? È essenziale! Ascoltare

Debutta sabato 18 marzo a teatro: “Con-Fundere o la delirante mescolanza della ragione” scritto, diretto e interpretato da Andrea Chiapasco e Emanuele Franco. Con-Fūndēre è un ambizioso progetto teatrale che vorrebbe rispondere alle domande: Posso fondere due coscienze in una? Si può giocare a carte e perdere sempre? È possibile innamorarsi di uno schiaffo? Purtroppo, non è uno spettacolo di risposte affermative e nemmeno definitive, anzi, in realtà durante il viaggio, si scopre di essere usciti dalla logica delle soluzioni, tanto da portarci via ulteriori quesiti in aggiunta ai sopracitati. È difficile dare risposte esatte, ma gli autori e gli interpreti proveranno ad essere esaustivi per andare al punto (Go -> dot) cruciale della questione. Per la sicurezza, con-sigliano ugualmente di tener stretti i punti interrogativi. Per questo motivo, invitano l’organizzazione ospitante ad aiutarli ad istruire il gentile pubblico riguardo questa delicata faccenda, esortando anche i visitatori a prenderne alcuni in prestito direttamente dal palco, in caso di necessità. Nessuno esercita un vero e proprio con-trollo sulla scena, se non la con- fūsione stessa. Tutti avete però l’opportunità unica di prendervi parte. 
Andrea Chiapasco ed Emanuele Franco raccontano questa straordinaria avventura, interpretazione e sfida intima e conoscitiva di sé, del mondo e dell’altro. “CON-FŪNDĒRE o la delirante mescolanza della ragione” di cosa tratta? Si tratta di un viaggio nella mente di Andrea Chiapasco ed Emanuele Franco. Di ritorno dal viaggio, abbiamo partorito questo spettacolo, che ci piace definire “Comico con morale”: comico perché speriamo e crediamo che possa far divertire e ridere, morale perché allo stesso tempo abbiamo provato a sdrammatizzare certe situazioni che in alcuni ambiti possono creare problemi e disagi. Tramite l’immedesimazione proviamo a raccontare la coppia come “rapporto di gruppo essenziale” in tutte le sue declinazioni. Perché la ragione è una delirante mescolanza? Chi dice di avere ragione non ce l’ha per forza. La ragione non è mai univoca, perché essa dà ragione ad una parte di storia, non alla sua interezza. Ognuno costruisce la propria in relazione agli eventi ed è per questo che l’abbiamo definita “delirante mescolanza”: un turbinio di idee, convinzioni, con-fusioni di diverse teorie che portano ad una differenza di vedute facilmente paragonabile ad una sorta di caos. È possibile fondere due coscienze in una? Domanda a cui è difficile rispondere, come anche a tutte le altre a cui abbiamo provato a trovare risposte nello spettacolo. Non sappiamo se sia possibile, sicuramente con questo “viaggio” abbiamo provato a riscoprire l’unione possibile tra due individui in diverse tipologie di coppie, creando da due persone un’unica entità caratterizzata e mossa dai singoli, ma che si realizza grazie al legame con l’Altro. Si può giocare a carte e perdere sempre? Assolutamente sì. Assolutamente no. Dipende con chi giochi. D’altronde, se giochi con Jim e Joe (due personaggi cruciali delle vicende narrate nello spettacolo), non potrai che imparare a giocare bene le tue carte con ogni mezzo possibile (anche non lecito): l’importante è avere sempre un Jolly da calare. È possibile innamorarsi di uno schiaffo? Ci piace pensare che la risposta non sia così scontata. Edgar e Josette proveranno a far capire allo spettatore quanto si possa nascondere dietro ad uno schiaffo, quanti motivi ci siano per darne uno e come un viaggio di due anime possa partire da esso. Il viaggio che cosa rappresenta? Per noi due? La scoperta continua di nuovi modi per farci ridere ed emozionare l’un l’altro. Per lo spettacolo la risposta è molto simile, ma ribaltata sul pubblico. Noi abbiamo cercato di creare un piccolo universo all’interno di questo nostro progetto e ci piace l’idea di accompagnare lo spettatore in un viaggio alla scoperta di nuove emozioni, di nuovi modi di vedere le cose e di nuovi interrogativi che speriamo riescano a smuovere qualcosa in lui. Le soluzioni esistono? Si, se le cerchi. No, se non ti soffermi abbastanza sugli interrogativi. Esistono le risposte esatte? Eccome! A volte però le risposte esatte cambiano, dettate da quello che ogni spettatore riesce a trovare all’interno dello spettacolo. A noi piace stuzzicare l’intelletto degli spettatori che decidono di vedere il nostro spettacolo, li consideriamo curiosi. Ci piace sapere che cercheranno queste risposte esatte anche se non saranno sicuri di averle trovate. C’è un punto cruciale in tutto questo argomentare? Si, un punto c’è: quello interrogativo. Non fatevi ingannare però, questo spettacolo non è un giallo. Il nostro modo di essere e di ragionare ci porta a mettere degli interrogativi in primis a noi stessi, e quindi abbiamo semplicemente pensato di coinvolgere il pubblico all’interno di questo nostro processo. Perché consigliate di tener stretti i punti interrogativi? Perché è il bello di essere con-fusi. In una società come quella in cui viviamo, dove le risposte la fanno da padrone e tutti ormai hanno la possibilità e quasi si sentono in dovere di dire la propria opinione, crediamo possa aver senso fare un passo indietro ed iniziare a porci quesiti. Quesiti su noi stessi, sulla società in cui viviamo, sul nostro futuro, sulla vita… Farsi domande, anche senza trovare immediatamente le risposte, è una chiave per la consapevolezza e crescita personale, senza diventare una “macchina di opinioni”. Si può esercitare un vero e proprio con-trollo sulla scena, se non la con- fūsione stessa? Perché? 
 Sulla con-fusione siamo sicuri di si, mentre sul con-trollo il discorso si fa più impegnativo. Crediamo che un progetto come questo riesca a funzionare veramente quando inizi a dimenticarti di dover tenere per forza tutto sotto con-trollo e accetti che alcune cose derivino dal caos. Di fatto, con quest’opera qual è il messaggio che volete realmente trasmettere? Vogliamo trasmettere la gioia della risata e della riflessione, che possono coesistere in uno spazio come quello di “Con-fūndēre”. E il pubblico? Come reagirà? Se già lo sapessimo, non andremmo a portare questa storia in giro! Ogni volta che ci siamo ritrovati con un pubblico differente, le risposte sono arrivate in modi e momenti inaspettati rispetto ai precedenti. Per questo motivo non ci aspettiamo niente, lasciandoci travolgere dalle emozioni che scambieremo con chi verrà a vedere la storia. Chi

Sabato 18 marzo la galleria d’arte FABER presenta l’esposizione “Elementi 4 2 3” di Manuela Giusto. La ricerca artistica di Manuela Giusto è condensata antologicamente nel progetto “Elementi 4 2 3” che rappresenta la sintesi del suo complesso sentire umano e artistico. Un lavoro intenso e complesso iniziato nel 2004, oggi nel 2023 viene raccolto in una mostra che ne narra il dipanarsi, ma non ne segna la conclusione. Un percorso visuale che, partendo dalla pittura, si avvale della fotografia per raccontare l’interazione tra gli elementi naturali e il corpo. Nelle immagini, la plasticità dei corpi si fonde con la fisicità degli elementi naturali, generando universi immaginifici che si imprimono con forza sulla pelle dei soggetti ritratti.        La pelle diventa il medium tra l’interiorità e la materia, il corpo la superficie che testimonia l’istante in cui un pensiero prende forma attraverso colore e luce. Nell’iconografia dell’artista la mescolanza tra elementi e corpo diviene altro; diviene natura, spirito, per tornare all’umano, in una rappresentazione antropomorfa e archetipale. Il percorso espositivo pensato in site specific consente allo spettatore di immergersi letteralmente in un corpus di opere organico, concepito come una scenografia teatrale, in cui a dominare non è un criterio cronologico bensì sinestetico sensoriale, organizzato per elementi. Il supporto adottato diventa funzionale alla creazione di un effetto scenico enfatizzato dal suggestivo impatto della grande installazione modulare in cui si articola l’intero progetto. “Ho scelto la fotografia per vedere oltre, per lasciare una traccia visibile di un’idea; una necessità che si sprigiona dall’interno in un processo creativo. Ogni fotografia è un mezzo per ri-costruire un’altra visione della realtà”, dice l’artista. Manuela Giusto si racconta e ci racconta il suo mondo e la sua arte. Chi è Manuela Giusto? Ci sto lavorando … per capirlo. Perché ha deciso di seguire il mondo artistico della fotografia? Perché è stato un collante tra le mie passioni. Natura, corpo e pittura. Quando ha fatto il suo primo lavoro? Nel 2004 quando ho esposto a Londra le prime immagini del progetto sugli Elementi. Che cosa significa per lei uno scatto fotografico? Può essere la forma di un pensiero o un gesto necessario per ricordare. L’arte che cosa è? Una possibilità creativa per raccontare il nostro tempo. L’uomo ha bisogno dell’arte? Assolutamente si Che cosa ricerca nei suoi lavori? Un dialogo tra il corpo e la materia Il progetto “Elementi” che cosa rappresenta nel suo percorso di artista? È un progetto che si muove con me … racconta il modo in cui confronto nel tempo luce, colore, materia e pelle. Che cosa vuole comunicare al suo pubblico con questa mostra? Un dialogo tra un insieme di immagini realizzate in 19 anni sullo stesso tema. Dove si svolgerà la mostra? Galleria d’arte FABER – via dei banchi vecchi 31 – dal 18 marzo al 29 aprile. Quanto è importante per un’artista mostrare le sue opere? Penso sia importante ma non sempre necessario condividere un’intuizione con altre persone. Ci sono lavori che non ha mai fatto vedere a nessuno? Ovviamente si. Perché? Ci sono progetti che ancora non hanno preso una forma definita. Con la fotografia si fissa un attimo e poi? Si sceglie se riviverlo o no. La traccia di un’immagine che cosa rappresenta nell’immaginario collettivo? Posso dirti che rappresenta per me la testimonianza della nostra esistenza. Noi siamo frammenti di vissuti esperienze mondi e possibilità, come un grande puzzle che diventa corpo unico in uno scatto fotografico, è d’accordo? Si, condivido che siamo il risultato delle nostre scelte e del nostro vissuto. Cosa pensa delle tante foto social? Penso che sia una grande possibilità di condivisione, dipende dall’uso che ognuno ne fa. Lei è una persona social? Direi di No. La dimensione dell’esserci trova spazio nei suoi lavori? Sicuramente si nel progetto sul corpo e gli elementi naturali. Progetti? Un’installazione di immagini retroilluminate in uno spazio buio Vuole aggiungere altro? No … grazie mille dell’intervista.