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Lucignano celebra la figura di Cosimo I de’ Medici, padre della Toscana moderna, con una mostra dal titolo “Cosimo e l’invenzione del Granducato”, allestita all’interno del Museo Comunale. La mostra sarà inaugurata sabato 5 ottobre alle ore 16:30 con un convegno nella Sala Consiliare e rimarrà visitabile fino al 3 novembre 2024. L’evento rappresenta un’occasione unica per approfondire la storia e l’eredità lasciata da Cosimo I, fondatore del Granducato di Toscana.

Tra le opere esposte spicca la riproduzione della Corona Granducale di Cosimo I, realizzata dal maestro orafo fiorentino Paolo Penko, insieme al Toson d’Oro e allo scettro granducale. La collezione si arricchisce di un ritratto calcografico del XVII secolo raffigurante Cosimo I, fedeli riproduzioni di tre costumi cinquecenteschi e la riproduzione del celebre medaglione di Giorgio Vasari.

La mostra, patrocinata dalla Regione Toscana e con il contributo della Fondazione Sistema Toscana, Manifatture Digitali Cinema e Paolo Penko Firenze, vuole rendere omaggio a una delle figure più emblematiche del Rinascimento italiano, non solo come sovrano illuminato, ma anche come promotore della cultura e dell’arte.

Il convegno inaugurale di sabato alle 16.30 nella Sala consiliare del comune, vedrà la partecipazione di illustri ospiti, tra cui Samuele Lastrucci, Direttore del Museo dei Medici di Firenze e il Presidente della Regione Toscana, Eugenio Giani, con introduzione e saluti iniziali di Roberta Casini, Sindaca di Lucignano, Durante l’incontro verrà presentata la mostra e saranno illustrate le straordinarie innovazioni politiche e culturali introdotte da Cosimo I, che trasformarono il Granducato in un’entità politica e culturale di riferimento.

La mostra sarà accessibile con gli orari di apertura del Museo di Lucignano e rappresenta un’occasione imperdibile per tutti coloro che desiderano riscoprire la storia toscana attraverso preziosi cimeli e manufatti legati alla figura del primo Granduca di Toscana.

Per maggiori informazioni:
Museo di Lucignano

https://www.museodilucignano.it/

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Mercoledì 25 settembre, nella Chiesa di San Francesco, il concerto di apertura “Misteri d’artista” darà il via a questa straordinaria kermesse musicale. Gli artisti che prenderanno parte al Lucignano Music Festival, sono di livello internazionale.

Irene Abrigo e’ giovane, ma con già alle spalle debutti importanti come quello alla Carnegie Hall di New York nel 2016, la violinista virtuosa Irene Abrigo, alla cui creatività e amore sin dall’infanzia per l’incantevole borgo medievale di Lucignano si deve quattro anni fa la nascita di questo piccolo ma ambizioso festival di grande qualità, coltiva da sempre molte passioni a latere della musica, fra cui l’impegno nel sociale con la sua associazione POURQUOIPAS, che collabora con istituzioni come UNHCR e il CIO, e la volontà di far incontrare culture vicine ma diverse con la sua ITALIAN-SWISS music society, nata appositamente per lo scambio culturale tra Italia e Svizzera, sua patria d’adozione. Questo spirito di continua contaminazione tra linguaggi culturali e l’impegno nel sociale è divenuta dunque anche la cifra stilistica del Lucignano Music Festival, dove grandi cameristi della statura del violista Jürg Dähler o del violoncellista Patrick Demenga, si uniscono ad importanti realtà artistiche del territorio, come i Solisti dell’Orchestra da Camera di Perugia o l’attore e regista di cinema, teatro e televisione Francesco Bolo Rossini, sempre su impaginati di rara originalità, in cui grandi classici come Paganini, Schubert, Piazzolla, Prokofiev o Debussy dialogano con compositori contemporanei di solida fama internazionale ma quasi mai rappresentati in Italia, come la finlandese Grammy Award Kaija Saariaho, il violoncellista e compositore già eseguito alla Philharmonie di Berlino Alfred Felder, o pagine storiche assai rare come quelle dell’ottocentesca violinista e compositrice svedese Amanda Maier, morta a soli 41 anni e il cui catalogo completo delle composizioni non è ancora stato indagato, o il settecentesco inglese Joseph Gibbs. Il Lucignano Music Festival è dunque da quattro anni un piccolo cenacolo amicale di grandi artisti – tra cui vale ricordare anche il chitarrista Giampaolo Bandini, il bandoneon di Cesare Chiacchiaretta, i pianisti Massimiliano Génot e Hiroko Sakagami – uniti per giorni in uno dei borghi fortificati medievali meglio conservati d’Italia, la cui caratteristica struttura ellittica a strade anulari concentriche sembra già di per sé metafora di raccoglimento ed accoglienza, quasi come in una moderna rinascita del ritiro del Decameron. E nell’abbraccio ideale delle antiche mura, nel cuore di un paese toscano ancora ricco di vita sociale vera e non semplice vetrina per il nuovo over tourismimperante, gli artisti vivono e fanno musica a fianco dei cittadini, tanto da portare le prove proprio nel cuore della tradizione e della memoria lucignanese, come la casa di riposo per anziani sita in un bellissimo palazzo del centro storico e aperta, grazie ad una panoramica terrazza, sulla natura rinascimentale della valle; o chiudendo il concerto finale con una rustica cena sociale in uno dei ristoranti storici del borgo o ancora trasformando l’escape room dedicata a Paganini e già sperimentata con successo dalla sua ideatrice Irene Abrigo in Svizzera, in una vera scoperta dei tanti tesori nascosti e poco conosciuti di questa cittadina così ricca di storia, tradizioni ed arte da farla competere con centri di ben maggiori dimensioni e fama. L’escape room paganiniana, che vedrà anche molti momenti di musica del violinista del diavolo eseguiti dalla virtuosa Abrigo sul suo prezioso Guadagnini 1758, si svolgerà in doppio appuntamento quotidiano, in italiano ed in inglese, per ben tre giorni da giovedì 26 a sabato 28 settembre e sarà dunque un momento di gioco noir per grandi, piccini e famiglie, in cui al fascino immortale del misterioso Paganini si uniranno scoperte davvero inedite di una delle ultime, autentiche gemme della campagna toscana. Racconta così la sua esperienza Irene Abrigo, Fondatrice e Direttrice Artistica del Festival: “Da quattro anni, tra le antiche mura di questo borgo toscano soprannominato la perla della Valdichiana, creiamo un’esperienza che unisce artisti di fama internazionale, giovani talenti e il pubblico in un dialogo intimo e coinvolgente. Il Lucignano Music Festival è per me un luogo dove la musica e la bellezza si incontrano in modo unico e irripetibile, un’occasione per esplorare nuovi repertori, scoprire tesori nascosti e vivere la magia della musica in luoghi carichi di storia”. Stefano Cresti, Assessore Cultura e Turismo del Comune di Lucignano, chiosa: “Lucignano Music Festival è un progetto che rappresenta quanto di più profondamente Culturale si possa costruire in un Festival musicale. Perché se la musica ne è la sua massima espressione, tutto ciò che si muove per costruirlo va oltre l’organizzazione. Si costruiscono piccole comunità di sostenitori creando inclusività ed integrazione, coinvolgendo poi dai più piccoli ai più anziani. Irene con la sua professionalità riesce a portare nel nostro Borgo, musicisti di livello altissimo spendendosi a tutto tondo per costruire un progetto armonioso e “presente” come la musica che ci fa ascoltare”.

Qui di seguito gli appuntamenti:

Mercoledì 25 settembre 2024 MISTERI D’ARTISTA Concerto di apertura – Chiesa di San Francesco Ore 21.00

Musiche di N. Paganini, F. Schubert, A. Piazzolla, K. Saariaho, A. Felder

Francesco Bolo Rossini, voce recitante

Irene Abrigo, violino

Jürg Dähler, viola

Giampaolo Bandini, chitarra

Cesare Chiacchiaretta, bandone

Giovedì 26 settembre 2024

PIERINO & IL LUPO Favola Sinfonica – Teatro Rosini Ore 21.00

“Pierino e il lupo” di S. Prokofiev

Francesco Bolo Rossini, voce recitante

I Solisti dell’Orchestra da Camera di Perugia

Venerdì 26 settembre 2024

AL CHIARO DI LUNA. Un viaggio poetico per violino & pianoforte

Chiesa di San Francesco Ore 21:00

Musiche di J. Gibbs, A. Maier, P. de Sarasate, Debussy

Christian Joseph Saccon, violino; Massimiliano Génot, pianoforte

Sabato 28 settembre 2024

GRAN FINALE Concerto di chiusura-Chiesa di San Francesco

Ore 18:00 Concerto – Ore 20:45 Cena tradizionale toscana (fiorentina) con gli artisti presso La Tavernetta

Musica di G. Fauré, D. Shostakovich, A. Dvorak

Irene Abrigo, violino; Jürg Dähler, viola; Patrick Demenga, violoncello; Hiroko Sakagami, pianoforte

https://www.lucignanomusicfestival.com/

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Ad aderire al progetto espositivo anche un grande maestro di fama mondiale, Michelangelo Pistoletto, con un Terzo Paradiso realizzato interamente con il Biochar, che sarà collocato nell’area verde esterna dell’Istituto Superiore Antincendi.

Abbiamo intervistato la curatrice Velia Littera.

Al via l’Alchimia del carbone, di che cosa si tratta?

L’Alchimia del carbone è un progetto innovativo che esplora l’utilizzo del “biochar” non solo come strumento per la sostenibilità ambientale, ma anche come medium artistico. Si tratta di una vera e propria “trasformazione” del carbone vegetale, un prodotto utilizzato tradizionalmente in agricoltura, in qualcosa di più, un mezzo espressivo per artisti che desiderano riflettere sui temi della natura, della rigenerazione e dell’impatto umano sull’ambiente.

Che cosa significa “Esplorando il Biochar nell’Arte”?

“Esplorando il Biochar nell’Arte” significa guardare oltre l’uso tecnico del biochar e vedere come questo materiale possa essere reinterpretato in ambito artistico. L’arte può aprire nuove possibilità di riflessione e sensibilizzazione, stimolando un dialogo tra sostenibilità, estetica e innovazione. L’idea è quella di scoprire come un materiale così connesso alla terra possa diventare simbolo di cambiamento, rigenerazione e attenzione per il pianeta.

Il progetto BiochArt di che cosa si occupa?

Il progetto “BiochArt” si occupa di unire l’arte e l’ecologia attraverso il biochar. Il progetto promuove la consapevolezza ecologica, invitando il pubblico a vedere il biochar sotto una luce diversa, non solo come mezzo tecnico ma anche come strumento espressivo che porta con sé un messaggio sociale e ambientale.

Perché invitare un gruppo di artisti per dar vita a un nuovo progetto?

Gli artisti hanno la capacità di reinterpretare e dare nuove prospettive ai materiali e alle tematiche sociali. Coinvolgere un gruppo di artisti in un progetto come BiochArt significa aprire un canale di comunicazione creativa con il pubblico, offrendo un approccio emozionale e riflessivo ai problemi legati della natura. L’arte riesce a far emergere concetti complessi in modo più accessibile e stimolante, suscitando emozioni e favorendo la consapevolezza.

Questo progetto che cosa riguarda?

Il progetto BiochArt riguarda l’intersezione tra arte, ecologia e impegno sociale. Esplora come il biochar, un prodotto ecologico, possa essere utilizzato per creare opere d’arte che sensibilizzano il pubblico sui temi del cambiamento climatico, del rispetto per l’ambiente e della rigenerazione. È un progetto che parla di trasformazione, sia dal punto di vista del materiale che da quello sociale.

Come si può coniugare la creatività, la cura per l’ambiente e l’impegno sociale?

La creatività può essere uno strumento potente per promuovere la cura per l’ambiente e l’impegno sociale. Attraverso il linguaggio artistico, possiamo portare all’attenzione del pubblico questioni urgenti come il cambiamento climatico, la sostenibilità e la necessità di un nuovo rapporto con la natura. L’arte riesce a coinvolgere le persone a livello emotivo, favorendo una maggiore consapevolezza e incoraggiando l’azione. Con il biochar, si crea un legame diretto tra il processo creativo e la cura del pianeta, poiché questo materiale contribuisce anche alla riduzione delle emissioni di CO2.

All’interno del progetto c’è anche un grande maestro, ce ne vuole parlare?

Sì, nel progetto è coinvolto un maestro di grande rilievo, Michelangelo Pistoletto, che ha dedicato gran parte della sua carriera all’arte etica. La sua presenza con un Terzo Paradiso realizzato interamente con il Biochar, arricchisce ma mostra e il progetto, portando una visione profonda e un’esperienza consolidata nella fusione tra arte e natura. Il maestro contribuisce non solo con il suo simbolo ormai consolidato che testimonia come l’arte possa essere strumento di rinascita, ma anche con il suo pensiero, ispirando gli altri artisti e il pubblico a riflettere sul potere trasformativo dell’arte e sull’importanza di prendersi cura del nostro pianeta.

Chi sono gli artisti che partecipano al progetto?

Il progetto coinvolge un gruppo eterogeneo di artisti, sia emergenti che affermati, provenienti da diverse discipline artistiche. Ciascuno di loro porta una prospettiva unica sul tema della sostenibilità e dell’ambiente, utilizzando il biochar in modo personale e innovativo. La varietà degli stili e dei linguaggi artistici arricchisce il progetto, creando un dialogo poliedrico che spazia dalla pittura alla scultura, fino all’arte concettuale e la fotografia.

Che cosa c’è al centro di questo progetto?

Al centro del progetto c’è l’idea di “trasformazione”, quella del biochar, da materiale agricolo a mezzo espressivo, ma anche quella di un approccio culturale e sociale attraverso l’arte. L’obiettivo è sensibilizzare il pubblico sul ruolo cruciale che possiamo avere nella rigenerazione dell’ambiente, offrendo al contempo una nuova visione su come l’arte possa essere un mezzo per affrontare le sfide ecologiche contemporanee.

Quale filosofia abbraccia l’arte?

L’arte abbraccia una filosofia d’ interconnessione. Questo progetto si basa sull’idea che l’arte possa non solo rappresentare la realtà, ma anche trasformarla. Utilizzando principalmente un materialecome il biochar, gli artisti dimostrano che è possibile creare bellezza senza danneggiare il pianeta, contribuendo anzi a una riflessione più profonda sui nostri rapporti con la natura e con la società.

Progetti ulteriori?

Il progetto BiochArt è solo l’inizio. Stiamo già pensando a una serie di mostre itineranti e workshop per coinvolgere un pubblico più ampio, oltre a collaborazioni internazionali che permettano di estendere il messaggio e l’impatto del progetto. L’idea è anche di integrare altre forme d’arte, come la performance e il digitale, e di promuovere la ricerca su materiali ecologici nell’arte contemporanea.

Vuole aggiungere altro?

Sì, vorrei sottolineare l’importanza di progetti etici come questo, che uniscono l’arte ai valori importanti della vita. Credo fermamente che l’arte possa giocare un ruolo fondamentale nel plasmare la nostra visione del futuro, aiutandoci a trovare soluzioni innovative e ispirandoci a prendersi cura del mondo che ci circonda. Ringrazio tutti gli artisti coinvolti che si sono prodigati a realizzare delle opere d’arte molto potenti e di straordinaria bellezza e coloro che sostengono questo progetto, perché insieme possiamo davvero fare la differenza.

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Caro Bernardo, eccoci qui, prima cosa grazie per questa intervista! E poi ci racconti di te: chi sei, che cosa fai, come lo fai?

Mi chiamo Bernardo Tirabosco, ho 32 anni, vivo e lavoro ad Arezzo. Nel 2019, finito il percorso di studi all’Accademia di Belle Arti ho deciso di aprire il mio studio in centro città. In laboratorio porto avanti la mia pratica artistica che si concentra principalmente nella pittura, scultura e installazioni. In passato ho collaborato e sono stato assistente dell’artista Cortonese Giulia Cenci per alcuni progetti e mostre di rilievo internazionale come la Biennale di Venezia.

Perché hai deciso di intraprendere il difficile percorso di artista?

Non c’è una motivazione razionale, credo che la decisione nasca principalmente dall’esigenza di approfondire e portare avanti la propria ricerca artistica, attraverso la sperimentazione di materiali e nuove forme di linguaggio. In altre parole: passione.

Che cosa ti ha spinto verso l’arte?

Fin da piccolo l’arte mi ha sempre affascinato, passavo ore sopra i fogli a disegnare, ero incuriosito e attratto da tutte le forme pittoriche e scultoree. Questa passione ha influito molto sulle mi scelte formative, così ho deciso di frequentare il Liceo Artistico e successivamente di iscrivermi all’Accademia di Belle Arti dove ho affinato ancora di più le mie conoscenze e imparato che un buon lavoro ha bisogno dell’impulso di un pensiero forte. Queste esperienze sono state fondamentali per decidere di fare della mia passione la mia professione.

Ci racconti un aneddoto della tua infanzia?

Ricordo quella volta che i miei genitori mi portarono al Parco di Collodi, un grande spazio all’aperto a tema con i personaggi della fiaba di Pinocchio, avevo circa tre anni.

Ho ancora bene impresse le sculture dei vari personaggi che spuntavano quasi per caso dal bosco e io ne ero affascinato perché riconoscevo tutti i personaggi già visti nelle immagini del mio libro di Pinocchio.

La più spaventoso di tutti fu la Balena, gigantesca e con la bocca spalancata dove le persone potevano entrare dentro e mettersi in posa per scattare qualche fotografia. La mia mamma ci entrò e io mi misi a piangere dalla paura che la Balena se la mangiasse.

Oppure quando al Louvre, ero sempre molto piccolo, costrinsi i miei genitori a passare ore intere nella sezione dell’Arte Egizia affascinato dalle mummie, soprattutto quelle degli animali come gli uccellini; andavo da una teca all’altra stupito e incredibilmente attratto, non riuscivano a portarmi via. Tornato a casa, pensai bene di fasciare tutti gli animali che avevo come giochi.

La tua prima opera come è nata e quando è stata realizzata?

Non ricordo quale è stata la prima, o meglio, non saprei identificare un “primo lavoro” assoluto come se fosse una sorta di punto 0 o di inizio.

Direi che una prima svolta possa essere ricondotta ad alcune idee che sperimentai al primo anno di Accademia, nel corso di pittura.

Era una serie dei piccoli quadri dipinti a olio, nella tela erano raffigurati una sorta di paesaggi differenti tra loro per colore e intensità di profondità. Interpreto questa serie di lavori come il primo passo verso un momentaneo abbandono della figura in favore di un pensiero che va oltre a ciò che si vede.

Che cosa vuoi trasmettere al tuo pubblico con la tua arte?

Più che cercare di trasmettere qualcosa vorrei far entrare il visitatore nel mio mondo. Specialmente se in mostra presento le installazioni, lavori solitamente più intimi e complessi, difficili da interpretare nell’immediato.

All’interno del mio lavoro creo una narrazione che possa coinvolgere lo spettatore: la storia di come è nata l’idea e dei suoi sviluppi, i dettagli di come ho utilizzato i materiali che espongo e perché il lavoro viene inserito nello spazio espositivo in un determinato modo.

Veniamo alla tua ultima mostra: a che cosa ti sei ispirato?

Sono stato ispirato prima di tutto dalla particolarità della sala espositiva. Non mi era mai capitato di installare un mio lavoro all’interno di uno spazio con pavimento, pareti e soffitto completamente nere, una sorta di White Cube al contrario.

All’inizio ero incerto su come poter intervenire nella sala, mi domandavo su quali lavori concentrarmi per presentare al meglio la mia idea.

Volevo creare un connubio tra pittura e scultura, due pratiche artistiche che ho sempre portato avanti in parallelo ma che non avevo mai esposto insieme. La mostra alla Galleria Comunale è stata l’occasione per presentarle insieme in un unico progetto.

Con quale tecnica sono state realizzate le tue opere?

Il dipinto posto di fronte all’ingresso in sala è realizzato con colori a olio su tela, mentre tutte le sculture presenti sono fatte di sapone e cera con qualche velatura di pigmento naturale.

Progetti, desideri, sogni, emozioni?

In questo momento sto per cominciare una residenza artistica alla fondazione “Il Bisonte” a Firenze.

Il progetto prevede la realizzazione di un mio lavoro negli spazi della Fondazione con successiva mostra nella loro galleria in autunno. Ci sono anche dei progetti importanti per il prossimo anno con gallerie e spazi espositivi che al momento sono in fase di definizione e che spero si possano concretizzare al più presto.

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Come afferma l’On. Federico Mollicone, Presidente Commissione Cultura, Scienza e Istruzione che ha fermamente voluto questa mostra, “accogliere l’arte scultorea di Antonio Taschini nel Complesso di Vicolo Valdina significa impreziosire lo splendido Convento con il suo chiostro antico e lo storico porticato, la chiesa bizantina di San Gregorio di Nazianzeno e la Sala della Sacrestia, caratterizzata da frammenti di affreschi del trecento.

L’intento è chiaro: la Camera non può essere solo il luogo delle leggi e della politica ma deve essere un simbolo per tutta la cultura nazionale, uno spazio aperto alle bellezze e ai talenti italiani.

Come Presidenza della Commissione Cultura, in collaborazione con la Presidenza della Camera, abbiamo elaborato un vero e proprio palinsesto culturale artistico di mostre di fotografia, scultura e pittura. Amplieremo questo nostro impegno anche negli altri ‘palazzi’ istituzionali il prima possibile.”

Le sculture di Antonio Taschini sono creazioni di sicuro impatto estetico e scenografico ma hanno un significato più profondo perché si animano diventando pagine su cui l’artista scrive e imprime segni che emergono dalla sua interiorità, dal suo passato e dall’osservazione dei luoghi in cui abita. Sono testimoni delle sue esperienze, dei suoi pensieri e delle sue emozioni, e riflettono le vite di ognuno di noi con le nostre impronte e testimonianze.

“Contro-Utopia, narra un viaggio attraverso l’intricato labirinto delle visioni dove il ferro danza con la ceramica, che a sua volta diventa superficie su cui scrivere una narrazione. Ogni scultura è testimonianza di un’arte che sfida il tempo e incarna gli incubi e le speranze di una società in continua evoluzione. Ogni opera racconta una storia, la nostra storia che oggi ci sembra evoluta e contemporanea ma già domani è storia antica.

Le città e gli ambienti urbani in cui viviamo diventano una fonte infinita di ispirazione. Le città sono il palcoscenico delle nostre vite, il luogo in cui lasciamo il nostro segno, le nostre impronte. Taschini ci lascia testimonianza di tale passaggio con una sua personale interpretazione.

Le superfici delle sculture di Taschini, che siano figure umane o oggetti tridimensionali riflettono questo ambiente urbano, catturando la sua complessità e la sua bellezza, ma anche le sue contraddizioni e le sue sfide. Antonio Taschini diventa, attraverso le sue creazioni, uno storyteller del nostro tempo”, afferma la curatrice Velia Littera. “Traccia, segno, memoria, trasformazione nel tempo, stratificazione, ricordo, linguaggi occulti, reticoli, planimetrie, archeologia, architettura. Questi i principali concetti alla base del mio lavoro. Le superfici degli elementi tridimensionali sono utilizzate per un uso “narrativo”, come pagine su cui scrivere o incidere le immagini che emergono stratificate dal passato, dall’interiorità, dall’osservazione dei luoghi in cui viviamo, città che diventano planimetrie fantastiche, in cui lasciamo segni e impronte, somma e intersezione delle architetture del tempo. Il segno e la misura dell’Uomo. I segni si ripetono sempre uguali in infinite combinazioni, come lettere di un linguaggio nascosto, esoterico, numeri di formule rituali”, dichiara l’artista Antonio Taschini

E ancora la storica dell’arte Greta Alberta Tirloni ci spiega:

“L’Aleph è la prima lettera dell’alfabeto ebraico, anche con valore di numero 1. Aleph rappresenta perciò l’inizio, dell’alfabeto e della numerazione, e pertanto è connessa ad Adam, la più “nobile” creatura di Dio: il nome Adam inizia infatti con aleph. Aleph è anche un libro di racconti brevi dello scrittore argentino Jorge Luis Borges. Nel libro sono presenti i temi universali prediletti dell’invenzione di Borges, che ritroviamo trattati anche nell’arte di Taschini: il tempo, la metafisica, la morte, l’immortalità e l’eternità, i labirinti, l’infinito, la personalità, la sofferenza il dolore e il destino. Temi universali che vengono intrecciati all’unicità e non replicabilità dell’esperienza individuale umana. Il titolo del libro prende il nome dall’ultimo racconto, in cui uno dei protagonisti descrive l’Aleph come “il luogo dove si trovano, senza confondersi, tutti i luoghi della terra, visti da tutti gli angoli”.

Antonio Taschini vive e lavora a Roma. Ha intrapreso studi musicali classici, che gli hanno permesso di diventare un professionista. Successivamente si è accostato alle arti visive, iniziando un percorso di studi di disegno, pittura e tecnica dell’icona russa, che lo hanno quindi portato all’incontro decisivo con la ceramica e la scultura, punto centrale della sua ricerca. Non ha mai abbandonato il disegno su carta che continua a rappresentare un’importante esigenza espressiva.

Fra le mostre personali più importanti “Compositiooppositorum”, con Andrea Maneghetti, a cura di Domenico Iaracà e Sveva Manfredi Zavaglia presso il Museo delle Mura di Roma nel 2022; nel 2019 “Un dialogo naturale” alla Fondazione Passarè di Milano, a cura di Lorenzo Fiorucci.

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Perché Iconize, che cosa significa?

Tante sono le icone che ci accompagnano durante la nostra vita, alcune in maniera silenziosa altre invece si pongono in modo molto più evidente, ma tutte hanno la costante di lasciarci qualcosa in un modo o nell’ altro, un ricordo, un’emozione, un’ispirazione.

Quando è iniziato il suo lavoro artistico?

Il mio lavoro artistico inizia ormai circa 25 anni fa, ho sperimentato diversi stili in questi anni, la pittura classica ad olio, ad acrilico, collage, fotografia,e svariate tecniche miste, ma in tutti i miei lavori il soggetto è stato sempre lo stesso: le mie icone. Perché dice: “le mie icone”?

Dico mie perchè seppur la maggioranza dei miei soggetti siano da sempre nell’iconografia popolare alcuni di loro seppur riconoscibili forse ancora non lo sono o forse non lo saranno mai. Diciamo che alcuni soggetti sono più “di nicchia” di altri.

Sono molti gli artisti che hanno affrontato il tema delle icone?

Il tema delle icone e della simbologia iconografica in generale è stato affrontato da tanti artisti molti dei quali sono stati per me fonte di grande ispirazione.

Ad esempio?

Il primo è Warhol chiaramente ma una grande “influenza” artistica me l’hanno attaccata anche Shepard Fairey, Banksy, Mr Braiwash, Rotella, Lichtenstein, Schifano e anche l’amico Manera.

Come si definirebbe?

Sono un ragazzo molto curioso e da buon autodidatta mi piace osservare molto.

Quanti e quali sono li artisti a cui si ispira?

Potrei citare numerosi altri artisti a cui ho preso in prestito piccoli dettagli per andare ad iniziare o finire un lavoro.

Quando è stata la sua ultima personale?

E’ passato un po di tempo dall’ultima esposizione personale, in questi anni ho continuato a lavorare in maniera silenziosa, ero alla ricerca di un mio stile preciso che mi caratterizzasse di più, che desse un impronta importante al mio lavoro e che fosse replicabile su tutte le mie opere.

Si ispira anche alla Street art?

La street art che ho conosciuto molti anni fa in America e a Londra, ma che poi si è sparsa in tutto il mondo diventando di fatto mainstream, mi ha dato un grosso aiuto sia come tecnica che come impostazione generale del lavoro, mi ha aiutato a coniugare insieme la mia passione per la simbologia pubblicitaria a quella per i personaggi a me cari.

Che cosa è per lei la multimedialità?

Sono nato nel 1984 quindi un grosso “imprinting multimediale” l’ho avuto come tutti da piccolo verso la fine degli anni 80 inizio anni 90 sia in termini pubblicitari che iconografici. Quali lavori ha portato in questa personale?

In questa personale porto i primi 50 lavori raccolti negli ultimi 2 anni. Sono andato a scavare più a fondo nella ricerca e nella scelta delle immagini, su cui poter fare un lavoro iconografico diverso, da un’altra prospettiva e per la prima volta ho deciso di usare come supporto la carta, in questo caso il cartoncino. Come definirebbe i suoi lavori?

Tutti i miei lavori sono unici, la replicabilità sta solo nell’immagine che vado a stampare. L’immagine stessa viene prima lavorata e preparata al computer, prima di essere trasferita sul supporto che ho precedentemente dipinto a mano prediligendo una tecnica stencil a bombolette. Alla fine incornicio tutto con legno massello 6×4 e vetro museale per valorizzare ancora di più tutto il mio lavoro.

Progetti?

Ho in cantiere anche una serie limitata di serigrafie originali basate su alcuni dei miei lavori migliori” racconta Stefano Mezzaroma.

Quando sarà la mostra?

L’inaugurazione della mostra sarà il 18 maggio 2024 dalle 18.00 in poi e il giorno 19 sara’ visitabile dalle ore 11:30 alle ore 13:30 e dalle ore 15.30 alle ore 18:30. 

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La mostra Fair Play racconta, attraverso la pittura di Vittorio Pavoncello, il significato del tennis come uno sport che va oltre la semplice competizione fisica.

Il tratto minimale unito alla scelta accurata dei colori esprime la bellezza della sfida, la forza mentale e la grazia nell’esecuzione del gesto. I quadri di Vittorio Pavoncello diventano uno specchio della complessità e della ricchezza dell’esperienza tennistica.

L’artista riesce pienamente nel tentativo di semplificare e concentrare l’attenzione sull’essenziale, incoraggiando una riflessione più profonda da parte dello spettatore sui movimenti e i fondamentali più significativi che avvengano nell’interiorità del giocatore, nel campo e intorno ad esso.

Il tennis italiano sta vivendo un momento esaltante, legando la sua storia ad uno spettacolo sportivo sempre più di massa.

Sono molte le domande che ci potremmo porre e molte le risposte: è una gara, è una sfida, si è da soli, ci vuole abilità, forma fisica e tanto lavoro di testa.

Le numerose tele in mostra, di Vittorio Pavoncello, ci aiuteranno a leggere meglio il linguaggio più intimo di questo sport, che sta attraversando i nostri campi, le nostre televisioni e reti. Un linguaggio che sembra fatto per la nostra società e per quella prossima, dove le capacità richieste nella vita sembrano quelle del gioco del tennis.

Da qui l’idea di una mostra che partendo dagli Open di Roma 2024 possa poi aprirsi ad altri circuiti.

E il tennis come si dice per l’arte è uno sport che vuole farsi vedere, che si dà in mostra, non basta giocare a tennis se nessuno guarda chi gioca, come un quadro ha bisogno dell’osservatore e fruitore per vivere.

L’intervista a Velia Littera ci conduce con eleganza e suggestione all’interno di questa mostra che crea atmosfere intense e dense di significati significanti.

Che cosa è il Fair play?

Il fair play è un principio che promuove la giustizia, la lealtà e il rispetto reciproco nelle interazioni umane, sia nello sport che in altre aree della vita. Nel caso del tennis il fair play implica un comportamento rispettoso, corretto e leale da parte dei giocatori, sia verso gli avversari che verso gli ufficiali di gara, al fine di mantenere l’integrità e lo spirito sportivo del gioco.

Perché una mostra con questo titolo che appartiene allo sport?

Personalmente cerco sempre di proporre mostre o eventi artistici che coinvolgano il pubblico e lo invitino a riflettere sui valori etici rappresentati nelle opere d’arte esposte. La mostra Fair Play vuole sensibilizzare il pubblico sull’importanza del fair play nello sport e nella vita quotidiana, incoraggiando comportamenti positivi e rispettosi non solo in campo sportivo, ma anche al di fuori di esso.

Quanto è difficile curare una mostra?

La cura di una mostra richiede una combinazione di creatività, competenze organizzative e gestionali, e una buona dose di pazienza e dedizione. Avere a che fare con gli artisti spesso può essere difficile e bisogna entrare nel loro mondo, comprenderlo e poi riuscire a esporlo nel migliore modo possibile. È un processo impegnativo, ma è molto gratificante vedere il risultato finale e l’interazione con il pubblico che avviene successivamente durante la mostra.

Come sceglie i suoi artisti?

Lavoro con gli artisti dal 2010 quando ho aperto la galleria Pavart. Ne ho conosciuti tanti e nel corso degli anni ho avuto modo di conoscere tanti talenti. Io mi occupo di arte emergente, che non necessariamente vuol dire creata da artisti di giovane età. L’età dell’artista non conta, conta il linguaggio artistico che deve emergere ed essere divulgato. Gli artisti li scelgo cercando dei segni di coerenza nello stile, nella loro visione artistica e nel loroapproccio alla creazione. L’originalità è fondamentale per distinguere un artista e il suo linguaggio artistico da altri. Rifletto su come il loro lavoro mi risuona e mi chiedo cosa m’ispira, se mi provoca stupore o se mi emoziona in qualche modo. La mia interazione personale con la loro arte è un elemento importante nella mia decisione finale. Sono istintiva di carattere e non essendo una storica dell’arte, in qualità di gallerista, collezionista e amante dell’arte, agisco con il cuore.

Vittorio Pavoncello, l’artista che sarà all’interno della mostra che ha curato, che cosa l’ha incuriosita di lui?

Vittorio Pavoncello non è solo un’artista visivo, è regista e autore. Ha scritto tanti libri e saggi e diretto molti spettacoli teatrali e film. Solitamente si occupa di temi molto importanti nei suoi lavori e credo che forse proprio la sua natura poliedrica e intellettuale, ma anche sportiva, mi ha incuriosito. Quando parla di tennis e di come lui ami questo sport, il suo sguardo s’illumina e diventa leggero. La mostra sul tennis è un’opportunità per Vittorio Pavoncello di integrare la sua passione per questo sport nella sua pratica artistica, così creando un dialogo stimolante tra la sua arte e temi importanti quali le regole di un “fair play”.

Il tennis uno sport particolare per un artista pittorico?

Non direi, in realtà Il tennis è caratterizzato da movimenti rapidi e dinamici che possono essere catturati attraverso la pittura per trasmettere un senso di azione e vitalità. Anche Le pose durante il gioco, i movimenti e gli scambi offrono molte opportunità per rappresentare il movimento nell’arte. Il campo da tennis offre una composizione visiva unica, con linee e geometrie distintive che ritroviamo nei dipinti di Pavoncello. La disposizione delle linee del campo, la rete e altri elementi architettonici hanno fornito all’artista un’interessante sfida nella creazione di equilibrio e armonia nelle sue opere. Oltre al coinvolgimento emotivo che ritroviamo impresso nelle tele esposte, la gioia, la frustrazione, la concentrazione, la delusione.

Che cosa vuole raccontare l’artista con le sue opere dedicate al tennis?

Credo che Vittorio Pavoncello voglia raccontare una varietà di storie e concetti attraverso le sue opere dedicate al tennis, dipendendo dalla sua visione artistica, dalle sue esperienze personali e dalla sua interpretazione di questa specifica attività sportiva. Le sue opere catturano momenti di determinazione, di gratificazione o di frustrazione, offrendo uno sguardo intimo sull’esperienza del tennis. Egli celebra la bellezza estetica dei gesti atletici, catturando la grazia e la potenza dei movimenti attraverso la sua pittura. Con colori delicati e tratti essenziali si concentra sui dettagli della figura umana o di altri elementi del gioco ottenendo un risultato molto dinamico e espressivo.

Che cosa colpisce delle sue opere?

Personalmente credo che nelle opere di Pavoncello colpisca l’essenzialità. Attraverso le sue tele ci obbliga ad un’interpretazione profonda del gesto umano.

Ma il tennis che cosa rappresenta nell’immaginario collettivo?

Il tennis italiano sta vivendo un momento esaltante, legando la sua storia ad uno spettacolo sportivo sempre più di massa. Sono molte le domande che ci potremmo porre e molte le risposte: è una gara, è una sfida, si è da soli, ci vuole abilità, forma fisica, concentrazione…. le tele di Vittorio Pavoncello quindi ci aiuteranno a capire meglio il linguaggio più intimo di questo sport, che sta attraversando i nostri campi, le nostre televisioni e le reti social specialmente negli ultimi mesi con i successi ottenuti dal tennis italiano. Un linguaggio che sembra fatto per la nostra società e per quella prossima, dove le capacità richieste nella vita sembrano proprio quelle del gioco del tennis.

Qual è il linguaggio intimo di questo sport?

Io non sono esperta di questo sport, ma immagino che l’artista, essendo un giocatore lui stesso, voglia dirci che il tennis è uno sport che va oltre la semplice competizione fisica.  Incoraggia a una riflessione più profonda sui movimenti e i fondamentali più significativi che avvengano nell’interiorità del giocatore, nel campo e intorno ad esso.

Come ama dire l’artista: “giocare a tennis permette di affinare alcuni lati del proprio carattere, scoprirne di nuovi, affina la propria personalità, e poi ti mette in relazione con un altro, un essere umano che durante la partita vuoi assolutamente battere ma che al termine dell’incontro ritorna una persona che puoi abbracciare”.

Perché la scelta di partire dagli Open di Roma 2024?

E perché no? Avendo accolto con entusiasmo la proposta espositiva di Pavoncello mi è sembrata una buona idea presentarequesta mostra partendo dagli Open di Roma 2024 sperando possa poi aprirsi ad altri circuiti anche internazionali.

Che cosa vi aspettate dal pubblico?

Sicuramente avremo un pubblico interessato al tennis come sport,appassionati giocatori o fan occasionali incuriositi da una mostra che racconta questo sport. Ma spero anche che riusciremo ad attrarre un pubblico curioso di vedere come il tennis è rappresentato attraverso l’arte e di scoprire le sue interpretazioni artistiche sul tema. Questa connessione per me è fondamentale peruna riflessione più ampia sulle relazioni tra lo sport, la cultura e le arti visive. Spero che questa mostra sia coinvolgente e stimolante per tutti i visitatori, amanti dell’arte, dello sport e della sua etica.

Perché il tennis come si dice per l’arte è uno sport che vuole farsi vedere, che si dà in mostra?

Quando due giocatori si affrontano su un campo, sono in mostra per il pubblico presente sugli spalti e per chi guarda da casa attraverso la televisione o altri mezzi di comunicazione. Questo contesto pubblico aggiunge un elemento di spettacolarità al gioco, incoraggiando i giocatori a dare il massimo e a impressionare gli spettatori con le loro abilità.

Così come nell’arte che si vuole far vedere e offre un’esperienza estetica e sensoriale unica. Guardare un’opera d’arte può suscitare emozioni, stimolare la riflessione e offrire piacere estetico agli spettatori, arricchendo le loro vite e il loro senso di appartenenza culturale.

Vuole aggiungere altro?

Venite numerosi a vedere la mostra Fair Play di Vittorio Pavoncello!

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Continua la staffetta espositiva ideata e curata dallo scrittore metropolitano Andrea Alessio Cavarretta, “TRITTICO D’ARTISTA personale di opere in mostra – II edizione”, per il secondo anno consecutivo ospitata da OFFICINE BEAT noto cocktail bar-bistrot nel quartiere San Lorenzo di Roma della Capitale.

La quarta esposizione è di ALICE ASNAGHI artista dalla grande fantasia che traspone nei suoi quadri, con colori vivaci e calde sensazioni, la magia della natura. ALICE ASNAGHI si propone agli spettatori con BIOFILIA, l’apertura della sua esposizione personale è fissata per sabato 16 marzo alle ore 19.30. Nei suoi lavori Alice Asnaghi raffigura un mondo ideale, magico e senza tempo, che rispecchia il suo legame e il suo amore per la natura, e diviene per noi una lente cristallina per ricordare quanto sia preziosa la connessione dell’uomo con il mondo naturale e come sia fondamentale preservarla.

Ancora una volta l’eclettica attrice e modella Stefania Visconti condurrà la presentazione dell’artista e delle sue opere che saranno svelate alle ore 20.00 anche in diretta social. La sempre più amata madrina di TRITTICO D’ARTISTA, coinvolgerà Alice Asnaghi nel racconto del suo trittico, con sorriso e profondità, insieme ad Andrea Alessio Cavarretta nella simpatica veste di “Val”.

L’appassionante viaggio tra varie forme espressive quest’anno ha delle interessanti novità volte a creare ponti di collegamenti artistico. TRITTICO D’ARTISTA si arricchisce di due importanti collaborazioni, la prima con la Scuola D’Arte di Emiliano Alfonsi c/o Spazio Urano, attraverso il coinvolgimento degli studenti della rinomata fucina di pittori guidati dallo stimato Maestro in una delle sei tappe espositive che vedranno, come lo scorso anno, da dicembre a maggio, susseguirsi altrettante esposizioni di tre opere legate tra loro da uno specifico concept. La seconda novità riguarda l’ultimo grande incontro presso gli spazi del MYTALE ROME, raffinato hotel del Rione Monti gestito da Claudio Riefoli, che avverrà dopo la già nota collettiva SEI NELL’ARTE ospitata sempre da OFFICINE BEAT e volta riassumere ciascun Trittico nella mostra di sei nuove opere sulla grande parete di ferro del locale più glamour di Roma.

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Il romanzo racconta la storia di Lino che lavora come analista in una grande banca. Vive per il suo lavoro, fatto di numeri e algoritmi. Non ha amici né famiglia, è ipocondriaco e ossessivo, fissato con l’ordine e la pulizia. È un uomo invisibile, nessuno sembra accorgersi della sua esistenza. Un giorno, dopo una serie rocambolesca di inspiegabili eventi, viene accusato di un terribile omicidio. Per questo Lino è costretto a cambiare radicalmente la propria vita, e per dimostrare di essere innocente è obbligato a diventare un “fuggitivo” alla ricerca della verità̀.

L’opera di Tommaso Agnese è un noir che lascia col fiato sospeso, in cui la Milano imprenditoriale dell’alta finanza è legata a doppio filo alle sorti di una criminalità irrequieta e sotterranea: le azioni, i pensieri e le strategie di sopravvivenza del protagonista raccontano il dramma di una vita che, da ordinaria e invisibile, sembra trasformarsi nel suo più infernale contrappasso. Abbiamo intervistato Tommaso Agnese che ci conduce all’interno del suo mondo e delle sue emozioni di scrittore ma sopratutto di uomo in cammino.

Caro Tommaso eccoci qui, ancora io e tu, per una nuova intervista. E’ uscito il tuo nuovo romanzo ci racconti qualcosa? 

“Un uomo ordinario” è il mio primo crime, per cui sono molto emozionato, ci ho speso tanto tempo per scriverlo, all’inizio ero un po’ impaurito ad entrare in un filone di genere che necessita una struttura importante e consolidata, poi piano piano portando avanti il personaggio nella sua storia tutto è diventato più semplice, il mie racconti sono prima di tutto storie di personaggi pieni di insicurezze e riflessioni interiori. Un uomo comune che viene accusato di un terribile omicidio, come può reagire?

Dove prendi l’ispirazione per i tuoi romanzi? Hai una musa ispiratrice? 

L’ispirazione arriva sempre dalla mia fantasia che si anima improvvisamente e a volte inaspettatamente creando situazioni e personaggi, a volte posso incontrare delle muse che esplodono ancora di più la potenza della mia fantasia, ma raramente…a volte bastano situazioni o incontri speciali.

Lino e la sua esistenza, quanto c’è di te? 

Io sono stato un bambino molto introverso e timido, sono stato bullizzato da piccolo. Ho voluto raccontare queste dinamiche, portarle nel personaggio di Lino, esasperarle per cercare di creare un grande conflitto, quando la vita da ordinaria diventa straordinaria.

Perché scrivere un noir? 

Per mettermi alla prova, affrontare diversi generi letterari per me è una sfida avvincente, io amo scrivere e non bisogna mai aver paura di trasformare le proprie idee in storie avvincenti.

Un lettore perché dovrebbe acquistare “Un uomo ordinario”?

Per conoscere Lino, il protagonista, nelle sue eterne paure e insicurezze, che poi all’improvviso si trasformano in un inaspettato coraggio. 

I punti di forza del tuo romanzo? 

Mi dicono che scrivo in modo molto cinematografico, con un ritmo intenso e numerosi colpi di scena imprevedibili.

Progetti? 

Attualmente sto lavorando molto per il teatro, ad aprile sarò in scena con uno spettacolo di fantascienza dal titolo “CONTENUTO PORNOGRAFICO” una storia d’amore in un futuro dove esistono solo emozioni virtuali.

Desideri? 

Scrivere tanti altri romanzi e tante altre opere teatrali.

Sogni? 

Emozionare chi mi legge, o chi guarda la messa in scena di ciò che scrivo, ma anche solo creare entusiasmo intorno a progetti artistici.

E poi?

C’è solo l’arte nella mia vita. Spero che il resto possa sorprendermi senza desiderarlo.

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