Ci sono storie che non vogliono essere raccontate.

E poi ci sono giornalisti che scelgono comunque di farlo.

“Diffidato” non è solo un titolo.

È una condizione. È una minaccia. È un confine sottile tra il diritto di sapere e il rischio di pagare per aver parlato.

Un monologo che è un atto di coraggio

“Diffidato” è il monologo scritto e portato in scena da Nello Trocchia, uno dei più autorevoli cronisti d’inchiesta italiani nel campo dell’antimafia e del giornalismo investigativo.

Non è teatro nel senso tradizionale. È inchiesta viva.

Un racconto che nasce sul campo, tra documenti, minacce, silenzi e verità scomode. Un viaggio dentro ciò che spesso resta invisibile: il rapporto tra crimine e potere.

Il prezzo della verità

Cosa significa raccontare davvero ciò che accade?

Qual è il costo umano, professionale, psicologico?

“Diffidato” pone domande che disturbano:

• Chi paga quando la verità emerge?

• Chi tenta di fermarla?

• E soprattutto: perché?

Nel monologo, Trocchia non si limita a informare.

Espone se stesso.

Porta sul palco le storie che ha seguito da vicino, le pressioni subite, le linee sottili attraversate ogni giorno da chi fa informazione indipendente.

Parole, immagini, suono: un’esperienza immersiva

“Diffidato” è costruito come un racconto multimediale:

• parole che colpiscono

• musica che amplifica l’emozione

• video che documentano e rendono tangibile la realtà

Il risultato è un’esperienza immersiva, quasi cinematografica, dove il pubblico non osserva soltanto… ma vive.

Un giornalista scomodo

Nello Trocchia è una voce riconosciuta del giornalismo investigativo italiano:

• inviato di Piazzapulita su La7

• collaboratore de Il Fatto Quotidiano

• firme su L’Espresso

• esperienza anche in Rai

Il suo lavoro è sempre stato caratterizzato da una costante:

andare oltre la superficie.

E questo, spesso, ha un prezzo.

Tra libertà e censura

“Diffidato” non parla solo di cronaca. Parla di democrazia.

Perché dove l’informazione viene ostacolata, intimidita o delegittimata, qualcosa si incrina nel sistema stesso.

Questo monologo diventa allora:

• una denuncia

• una testimonianza

• un atto politico, nel senso più alto del termine

Il silenzio e il rumore

C’è una frase non detta che attraversa tutto lo spettacolo:

il silenzio è sempre una scelta.

Scegliere di parlare, invece, è un atto di rottura.

E chi rompe il silenzio, spesso, viene “diffidato”.

Perché vederlo

Perché non è solo teatro.

È realtà che entra in scena.

È uno spettacolo che lascia domande aperte, inquietudini, riflessioni. E forse anche una consapevolezza più profonda del mondo in cui viviamo.

👉 Acquista qui i biglietti:

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C’è un momento, raro e prezioso, in cui la parola smette di essere semplice comunicazione e diventa esperienza. È lì che nasce qualcosa di diverso: un incontro tra idee, emozioni e coscienza critica. È esattamente ciò che promette la conferenza teatrale con Franco Del Moro e Marcello Foa, un evento che si colloca a metà strada tra il teatro e il pensiero contemporaneo.

Due voci, un unico palcoscenico

Da una parte, Franco Del Moro: scrittore, editore, fondatore e direttore del bimestrale Ellin Selae. Un autore che ha fatto della riflessione culturale e della ricerca artistica la sua cifra distintiva. Le sue parole non sono mai solo parole: sono strumenti per interrogare il reale.

Dall’altra, Marcello Foa: giornalista, dirigente, autore. Un volto noto del panorama mediatico italiano ed europeo, con un passato da inviato speciale per Il Giornale, la direzione del Corriere del Ticino e la presidenza della RAI tra il 2018 e il 2021. Più recentemente, la sua voce ha accompagnato gli ascoltatori su Rai Radio 1 con Giù la maschera, programma dedicato all’attualità e alla libertà di pensiero.

Oltre la conferenza: un’esperienza teatrale

Quello che rende questo evento unico è il formato: non una semplice conferenza, ma una conferenza teatrale.

Qui il pubblico non è spettatore passivo, ma parte di un viaggio.

Le parole si intrecciano con la scena, il ritmo, la presenza. Il pensiero prende corpo.

È un format che rompe gli schemi:

• non c’è distanza tra palco e platea

• non c’è rigidità accademica

• c’è, invece, coinvolgimento emotivo e intellettuale

Temi che interrogano il presente

In un’epoca dominata da velocità, superficialità e informazione frammentata, eventi come questo rappresentano una pausa necessaria.

Un invito a fermarsi.

A pensare.

A dubitare.

Del Moro e Foa portano sul palco due prospettive diverse ma complementari:

• la dimensione artistica e simbolica

• la lettura giornalistica e geopolitica

Il risultato è un dialogo che attraversa:

• la libertà di espressione

• il ruolo dei media

• la costruzione della verità

• il rapporto tra individuo e società

Il fascino della parola viva

C’è qualcosa di profondamente umano nel ritrovarsi insieme ad ascoltare, riflettere, lasciarsi provocare.

In un mondo digitale, dove tutto scorre e nulla resta, questa conferenza teatrale restituisce alla parola il suo peso originario:

quello di creare connessioni reali.

Un appuntamento da non perdere

Non è solo uno spettacolo.

Non è solo un dibattito.

È un’esperienza che unisce cultura, informazione e teatro, capace di lasciare tracce anche dopo che le luci si sono spente.

👉 Acquista qui i tuoi biglietti:

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Vivono dentro di noi. Sono i rimpianti che non abbiamo mai nominato. Le parole che non abbiamo detto. Le vite che avremmo potuto vivere… e non abbiamo vissuto.

È da qui che inizia Terra–Solaris, lo spettacolo di Rick DuFer e Carol Mag.

Non da un racconto, ma da una domanda: hai mai davvero ascoltato i tuoi fantasmi?

Non è un semplice monologo.

È un attraversamento. Le parole si intrecciano con la musica, il pensiero con l’emozione, la filosofia con qualcosa di più fragile e umano: il ricordo.

Si cammina tra mondi diversi:

• quelli di Solaris, dove i fantasmi prendono forma dai nostri sensi di colpa

• quelli del Paradiso dantesco, dove le anime ci costringono ad accettare la realtà

• quelli di Gulliver e di Shakespeare, che ci mettono davanti ai nostri limiti

Ma il vero luogo del viaggio non è la scena. È dentro.

A un certo punto diventa chiaro:

i fantasmi non sono entità lontane. Sono presenze intime. Sono ciò che ritorna quando il rumore del mondo si abbassa.

Quando restiamo soli. Quando smettiamo di distrarci.

Rick DuFer li chiama per nome, li interroga, li espone. Carol Mag li accompagna con la musica, come se ogni nota fosse una porta che si apre. E il pubblico, quasi senza accorgersene, inizia a riconoscerli.

La musica in Terra–Solaris non è un sottofondo. È un linguaggio parallelo. Dice quello che le parole non riescono a dire. Accarezza, disturba, risveglia. A volte consola. A volte mette a nudo. È come se ogni suono fosse un ricordo che riaffiora senza chiedere permesso.

C’è un momento, nello spettacolo, in cui non si può più fingere. Non si può ridere per alleggerire. Non si può distrarsi. Si resta lì, davanti a sé stessi. E si capisce che il vero coraggio non è evitare i fantasmi.

È restare ad ascoltarli.

Perché solo attraversandoli si può davvero comprendere qualcosa di sé.

Terra–Solaris si muove su un confine sottile:

• tra ciò che è stato e ciò che poteva essere

• tra ciò che siamo e ciò che temiamo di diventare

• tra la vita e quella strana eco che chiamiamo memoria

È uno spettacolo che non offre risposte facili.

Non consola. Non semplifica. Ma accompagna. E, in un tempo in cui tutto corre veloce, fermarsi ad ascoltare ciò che ci abita dentro è forse l’atto più rivoluzionario.

Quando le luci si riaccendono, qualcosa resta. Non una trama.

Non una morale. Ma una sensazione sottile: di aver incontrato qualcosa di vero. Magari scomodo. Magari fragile. Ma necessario. Perché, in fondo, non si tratta di eliminare i fantasmi Si tratta di imparare a conviverci. E forse — finalmente — a capirli.

👉 Per acquistare i biglietti:

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“Non ho niente…”

e finiscono con una guerra fredda lunga tre giorni.

Ci sono silenzi che pesano più di mille parole. E parole che, dette nel momento sbagliato, possono diventare detonatori emotivi.

È da qui che nasce Donne & Uomini, lo spettacolo di Andrea Tosatto.

Da quella zona fragile, quotidiana, universale in cui tutti – almeno una volta – ci siamo persi cercando di capirci.

Sul palco non ci sono eroi.

Ci siamo noi. Le coppie che si amano ma litigano per un messaggio non risposto.

I single che giurano di stare bene da soli… salvo poi crollare davanti a una canzone. Gli ex che tornano nei pensieri proprio quando sembrava finita davvero.

Tosatto prende queste situazioni e le smonta, con una precisione quasi chirurgica. Le osserva, le esaspera, le restituisce al pubblico trasformate in risata.

Ma sotto quella risata c’è sempre qualcosa che punge.

Perché la domanda che attraversa tutto lo spettacolo è semplice, eppure spiazzante:

come possiamo parlare la stessa lingua… e non capirci mai davvero?

Le scene si susseguono come frammenti di vita vissuta:

• discussioni che partono da niente e diventano epiche

• fraintendimenti che si trasformano in drammi

• aspettative mai dette che diventano delusioni reali

Il pubblico ride. Ride tanto.

Ma è una risata che ha sempre un retrogusto di riconoscimento.

Perché, a un certo punto, succede qualcosa:

non stai più guardando uno spettacolo.

Stai rivedendo una tua conversazione.

Un tuo errore.

Una tua storia.

Donne & Uomini non giudica.

Non prende posizione. Non dice chi ha ragione. Fa qualcosa di più scomodo: mostra.

Mostra quanto siamo diversi.

Ma anche quanto siamo, paradossalmente, identici nei nostri bisogni:

• essere visti

• essere ascoltati

• essere amati senza dover tradurre ogni emozione

E allora quella comicità diventa quasi uno specchio.

Uno specchio senza filtri, in cui è impossibile non riconoscersi almeno una volta.

C’è un momento, nello spettacolo, in cui tutto sembra chiarissimo.

Le differenze, le dinamiche, gli errori. Eppure… non basta.

Perché nonostante tutto – le incomprensioni, le litigate, i silenzi – continuiamo a cercarci. A innamorarci. A riprovarci.

È forse questa la verità più semplice e più disarmante che emerge: non siamo fatti per capirci perfettamente.

Siamo fatti per provarci.

Che tu sia in coppia, single, reduce da una storia complicata o felicemente innamorato…

troverai qualcosa di tuo in questo spettacolo. Perché Donne & Uomini parla di relazioni, sì.

Ma soprattutto parla di umanità.

E lo fa con leggerezza, ironia e quella sincerità un po’ spietata che, alla fine, fa bene.

Alla fine, quando le luci si riaccendono, resta una sensazione precisa. Non quella di aver capito tutto. Ma quella di aver capito qualcosa in più.

Magari piccolo. Magari scomodo. Ma sufficiente per pensare, sorridendo: “Ah… ecco perché.”

Se vuoi vivere questa esperienza dal vivo, puoi acquistare i biglietti qui: https://www.megliodiieri.it/s/spettacoli/stagione-2026/donne-uomini-di-e-con-andrea-tosatto/

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Non c’è scenografia a distrarre, non c’è finzione a proteggere. Solo una voce, un corpo, e parole che pesano come macigni.

Alessandro Di Battista entra in scena senza maschere. Non interpreta. Non recita. Espone. Accusa. Scava.

E lo fa partendo da una domanda implicita, quasi sussurrata tra le righe: quante verità siamo disposti a sopportare, prima di voltare lo sguardo?

Non è uno spettacolo, almeno non nel senso classico del termine.

È un viaggio dentro le crepe della narrazione ufficiale.

Afghanistan. Iraq. Libia.

Nomi che abbiamo ascoltato per anni, spesso distrattamente, mentre scorrevano nei telegiornali tra una pubblicità e un talk show. Ma qui, su quel palco, non sono più parole lontane. Diventano immagini, decisioni, conseguenze.

Diventano responsabilità.

Di Battista ricostruisce, collega, mette in fila eventi che – raccontati separatamente – sembrano casuali, ma che, nella sua narrazione, assumono un disegno preciso. Un sistema. Una logica.

Non c’è neutralità.

E non viene nemmeno promessa.

La voce si fa più dura quando entra nel cuore del presente.

Ucraina. Gaza.

Qui il racconto cambia ritmo. Si spezza. Si carica.

Non è più solo analisi. È indignazione.

Le parole diventano fendenti: contro il modo in cui le guerre vengono raccontate, contro le immagini che vediamo e quelle che non vediamo, contro il silenzio selettivo che decide quali morti meritano attenzione e quali no.

E allora la domanda torna, più forte: chi decide cosa dobbiamo sapere?

C’è un momento, durante lo spettacolo, in cui il pubblico non è più solo spettatore. È chiamato in causa.

Perché il bersaglio non è soltanto la politica – accusata di aver smarrito autonomia, dignità, visione – ma anche quella zona grigia in cui tutti, in qualche modo, abitiamo: l’abitudine.

L’abitudine a credere.

L’abitudine a non verificare.

L’abitudine a delegare.

Di Battista insiste su questo punto con una lucidità quasi scomoda: non esiste propaganda senza qualcuno disposto ad accoglierla.

E poi c’è il passaggio più delicato.

Quello sul conflitto israelo-palestinese.

Qui il linguaggio si fa ancora più netto, più rischioso.

Si entra in un territorio dove le parole possono incendiare, dividere, ferire.

Lui non arretra.

Parla di storia, di potere, di trasformazioni.

Parla di Gaza come di una ferita aperta, raccontata – secondo la sua visione – troppo poco e troppo male.

È uno dei momenti in cui la sala si tende. Si percepisce. Non tutti sono d’accordo. Ma tutti ascoltano.

Ed è forse questo il punto più potente dello spettacolo: non cerca consenso, cerca reazione.

Verso la fine, il tono cambia ancora.

Dopo la denuncia, dopo l’accusa, arriva qualcosa di inatteso: una possibilità.

Non una soluzione, non una verità definitiva.

Ma un invito.

A informarsi. A dubitare. A scegliere. A non restare neutrali, perché – suggerisce – la neutralità, in certi contesti, è già una posizione.

“Scomode verità” è un titolo che mantiene la promessa.

Perché quello che resta, uscendo dalla sala, non è tanto ciò che si è ascoltato, ma ciò che si è iniziato a mettere in discussione.

Non è uno spettacolo che consola.

Non è uno spettacolo che unisce.

È uno spettacolo che incrina.

E in un tempo in cui tutto scorre veloce, superficiale, dimenticabile, forse è proprio questo il suo gesto più radicale: costringerci a fermarci.

E a chiederci, con un filo di inquietudine: e se le verità più difficili fossero proprio quelle che non vogliamo vedere?

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Quando un gesto diventa illusione e una nota si trasforma in incanto?

Nasce uno spettacolo raro, elegante, sorprendente: “Il mago e il maestro”, con Jack Nobile e Adriano Del Sal.

Un viaggio sensoriale dove realtà e percezione si fondono, e il pubblico smette di osservare… per iniziare a sentire.

Magia e armonia: un dialogo tra arti

Questo spettacolo non è una semplice alternanza tra numeri di magia e momenti musicali.

È un dialogo continuo, un intreccio tra due linguaggi che si amplificano a vicenda.

Da una parte:

• l’illusione, il mistero, la sorpresa

Dall’altra:

• la precisione, l’emozione, la profondità del suono

La chitarra classica diventa racconto.

La magia diventa ritmo.

E insieme creano un’esperienza immersiva, dove ogni elemento è parte di un’unica narrazione.

Jack Nobile: la nuova magia contemporanea

Con oltre 12 anni di esperienza, Jack Nobile è uno dei volti più riconoscibili della magia moderna.

Il suo percorso è fatto di studio, passione e innovazione:

• oltre 1,5 milioni di iscritti su YouTube

• 60.000 mazzi di carte personalizzati venduti

• autore di tre libri

• allievo di maestri internazionali come Juan Tamariz e Dani Daortiz

Ma soprattutto, è un artista che ha saputo portare la magia nel presente, rendendola accessibile, affascinante e profondamente narrativa.

La sua specialità?

Cartomagia, ombre cinesi, Sand Art.

Tecniche che diventano poesia visiva.

Adriano Del Sal: il virtuosismo che emoziona

Accanto a lui, Adriano Del Sal: un maestro della chitarra classica, capace di trasformare ogni nota in emozione pura.

Il suo percorso artistico è straordinario:

• 12 primi premi in concorsi nazionali e internazionali

• riconoscimenti prestigiosi come il “Julian Arcas” e il “Michele Pittaluga”

• il premio “La Chitarra d’oro”

• concerti nei più importanti festival e teatri del mondo

Dal 2015 è docente all’Università della musica e delle arti di Vienna, ma sul palco resta, prima di tutto, un narratore.

Uno che non suona soltanto.

Racconta.

Uno spettacolo che supera i confini

“Il mago e il maestro” è un’esperienza che va oltre il genere:

• non è solo magia

• non è solo musica

• è un incontro tra due mondi

Uno spettacolo che sorprende, emoziona, coinvolge.

Che ti fa chiedere:

“Come è possibile?”

E subito dopo:

“Cosa ho appena sentito?”

Vivi l’esperienza

Un evento esclusivo, pensato per chi ama lasciarsi stupire e per chi cerca qualcosa di davvero diverso.

👉 Per acquistare i biglietti:

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Tra realtà e illusione

In fondo, magia e musica hanno qualcosa in comune: entrambe ci portano altrove.

E in un tempo in cui tutto sembra spiegabile, prevedibile, immediato… uno spettacolo come questo ci ricorda il valore dello stupore. Perché a volte, per capire davvero, bisogna prima lasciarsi incantare.

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Un titolo che è già una dichiarazione d’intenti. Totale, immersivo, senza filtri.

Un viaggio teatrale tra ironia e identità

TUTTOTOSCANO è molto più di uno spettacolo comico: è un ritratto teatrale contemporaneo, una lente ironica attraverso cui osservare la cultura toscana nelle sue mille sfumature.

Attraverso una miscela brillante di:

• monologhi taglienti

• gag intelligenti

• canzoni originali

Vassallo costruisce un racconto vivo, dinamico, capace di far ridere e riflettere nello stesso momento.

I protagonisti?

Personaggi riconoscibili, quasi familiari.

Luoghi comuni smontati e reinventati.

Contraddizioni che diventano materia comica.

Il “maledetto toscano” e la sua cifra stilistica

Definito con affetto il “maledetto toscano”, Vassallo porta in scena uno stile unico: diretto, popolare ma mai banale.

La sua comicità:

• colpisce, perché è sincera

• diverte, perché è intelligente

• coinvolge, perché parla di noi

C’è una Toscana che si prende in giro, che si guarda allo specchio senza paura, che ride delle proprie ossessioni, dei propri tic, delle proprie verità non dette.

Ed è proprio questa autenticità a rendere lo spettacolo irresistibile.

Ritmo, musica e parole: uno spettacolo completo

Uno degli elementi più sorprendenti di TUTTOTOSCANO è la fusione tra teatro e musica.

Le canzoni originali non sono semplici intermezzi, ma parte integrante della narrazione: amplificano emozioni, sottolineano ironie, creano ritmo.

Il risultato è uno spettacolo fluido, incalzante, che alterna risate e momenti di riconoscimento profondo.

Un’esperienza per tutti

Pensato per un pubblico ampio, TUTTOTOSCANO riesce a parlare:

• agli amanti del teatro d’autore

• a chi cerca una comicità brillante e contemporanea

• a chi vuole semplicemente lasciarsi sorprendere

È uno spettacolo che unisce, che diverte senza superficialità, che racconta senza giudicare.

👉 Per acquistare i biglietti:

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In fondo, ridere di sé è una delle forme più alte di intelligenza.

E TUTTOTOSCANO lo dimostra: sotto la superficie della comicità si nasconde uno sguardo lucido, affettuoso e profondamente umano su una terra che, tra eccessi e meraviglie, continua a raccontarsi.

E forse è proprio questo il segreto di Vassallo: farci ridere… mentre ci riconosciamo.

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La sua non è solo fotografia. È immersione. È presenza. È scelta.

E oggi, quella voce fatta di immagini arriva sul palco con una conferenza teatrale che promette di essere molto più di un semplice racconto: un’esperienza emotiva e intellettuale che attraversa i conflitti del nostro tempo.

Un testimone nei luoghi del dolore

Dalla Siria all’Ucraina, dal Burkina Faso al Myanmar, passando per il Nepal, il Vietnam e l’India, Giorgio Bianchi ha costruito un percorso professionale che è anche un viaggio umano dentro le contraddizioni del mondo contemporaneo.

Dal 2013, in particolare, ha seguito da vicino la crisi ucraina: dalle proteste di Euromaidan fino allo scoppio della guerra tra esercito governativo e separatisti filo-russi. Non da osservatore distante, ma da testimone diretto, immerso nelle vite delle persone, nei loro silenzi, nelle loro paure.

Le sue immagini non cercano il sensazionalismo. Cercano il senso.

Quando la fotografia diventa teatro

Questa conferenza teatrale rappresenta un’evoluzione del suo linguaggio: dalla fotografia alla scena, dalla documentazione alla narrazione viva.

Attraverso immagini, parole e riflessioni, lo spettatore viene accompagnato dentro i conflitti non solo geografici, ma anche interiori. Perché ogni guerra, prima ancora di essere politica, è antropologica.

È qui che il lavoro di Bianchi assume una dimensione più profonda: non si limita a mostrare ciò che accade, ma interroga chi guarda.

Cosa significa essere testimoni oggi?

Quanto siamo davvero consapevoli delle guerre che scorrono davanti ai nostri occhi, spesso filtrate da schermi e narrazioni parziali?

Un percorso riconosciuto a livello internazionale

Nel corso della sua carriera, Giorgio Bianchi ha ricevuto numerosi premi e riconoscimenti pubblici. Le sue fotografie sono state pubblicate su importanti quotidiani e riviste, sia cartacee che digitali, e le sue opere sono state esposte in festival nazionali e internazionali.

Ma il vero riconoscimento, forse, sta nella forza delle sue immagini: nella capacità di restare impresse, di disturbare, di far riflettere.

Un appuntamento da non perdere

Questa conferenza teatrale è un’occasione rara per entrare in contatto diretto con uno sguardo che ha attraversato la storia recente nei suoi punti più critici.

Non è solo uno spettacolo.

È un incontro.

È una presa di coscienza.

👉 Per acquistare i biglietti:

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Non è il rumore della campanella.

Non è il brusio dei corridoi.

È qualcosa di più sottile.

È il silenzio della scuola che cambia.

E forse… si sta perdendo.

Lorenzo Varaldo attraversa il corridoio dell’Istituto Sibilla Aleramo di Torino con passo lento. Le pareti sono piene di disegni, frasi, tentativi di futuro scritti con pennarelli incerti.

Qui si cresce.

O almeno… qui si dovrebbe crescere.

Lui è il dirigente scolastico.

Ma non vuole essere chiamato così.

“Preside”, dice.

O meglio ancora: “direttore didattico”.

Non è nostalgia.

È resistenza.

Perché dentro quella parola — dirigente — c’è un mondo che non gli appartiene.

Un mondo fatto di bilanci, obiettivi, performance.

Un mondo che, lentamente, è entrato anche qui.

La scuola.

Una parola antica, quasi dimenticata nel suo significato originario.

Schola: tempo libero.

Tempo per pensare.

Per sbagliare.

Per diventare.

Non per produrre.

Eppure oggi, tra registri elettronici e valutazioni standardizzate, sembra che quel tempo si sia ristretto. Compresso. Trasformato.

Come se l’educazione avesse smesso di essere un viaggio, per diventare una corsa.

Il film “D’Istruzione Pubblica” non racconta solo una storia.

Scava.

Va indietro nel tempo, oltre le aule, oltre le riforme, oltre le parole.

Parte da lontano.

Dagli Stati Uniti di fine Ottocento, dove la scuola inizia a modellarsi sulle esigenze della produzione.

Passa per l’Europa degli anni ’90, quando il linguaggio dell’economia entra nei sistemi educativi.

E arriva in Italia.

Alle riforme.

All’autonomia.

A quella lenta, impercettibile trasformazione che cambia tutto… senza fare rumore.

Nelle aule, intanto, qualcosa si incrina.

Gli studenti imparano presto che non basta capire.

Bisogna dimostrare.

Non basta crescere.

Bisogna performare.

E così il sapere perde il suo respiro.

Diventa voto.

Diventa media.

Diventa classifica.

E in quel passaggio, quasi invisibile, succede qualcosa di profondo.

Si insinua la paura di sbagliare.

Si insinua il bisogno di essere all’altezza.

Si insinua il dubbio di non essere mai abbastanza.

Lorenzo lo vede.

Ogni giorno.

Lo vede negli occhi di chi studia.

E in quelli di chi insegna.

Perché anche i docenti, oggi, non sono più solo educatori.

Sono valutati. Misurati. Spinti.

Come se la scuola fosse diventata una macchina.

E loro… ingranaggi.

Ma la scuola non è una macchina.

È un organismo fragile.

Fatto di relazioni, errori, tentativi, silenzi.

È il luogo in cui si costruisce l’identità.

E l’identità non si misura.

Si forma.

“D’Istruzione Pubblica” non dà risposte facili.

Non accusa, non assolve.

Mostra.

E nel mostrare, costringe a guardare qualcosa che spesso evitiamo:

la trasformazione invisibile dell’educazione.

Una trasformazione che non fa rumore, ma lascia tracce.

Nei ragazzi che hanno paura di non essere abbastanza.

Negli insegnanti che non si riconoscono più nel loro ruolo.

In una società che chiede risultati… ma dimentica le persone.

Forse è proprio per questo che Varaldo insiste.

“Preside”.

“Direttore didattico”.

Perché le parole non sono neutre.

Sono confini.

E cambiare una parola… significa cambiare un mondo.

C’è una domanda che resta sospesa, alla fine.

Una domanda scomoda.

Che cosa vogliamo davvero dalla scuola?

Formare individui liberi?

O produrre individui efficienti?

Perché tra queste due visioni…

non c’è solo una differenza educativa.

C’è una differenza umana.

👉 Per assistere alla proiezione del film:

https://www.megliodiieri.it/s/spettacoli/stagione-2026/proiezione-del-film-distruzione-pubblica/

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Secondo Francesco Borgonovo, giornalista e saggista, il tratto distintivo del nostro tempo è l’assenza di coraggio. Non il coraggio eroico delle grandi imprese, ma quello quotidiano: la capacità di sostenere la complessità, di abitare il dissenso, di tollerare il negativo.

Viviamo in un mondo levigato, omogeneizzato, privo di spigoli apparenti. Eppure questa superficie rassicurante nasconde una fragilità profonda: abbiamo perso l’abitudine al confronto autentico. Ognuno si rifugia nella propria bolla, nella comfort zone ideologica, evitando l’attrito delle opinioni diverse. La pluralità, anziché essere una ricchezza, diventa una minaccia.

Un tramonto che non arriva

Borgonovo descrive il nostro presente come un “tramonto che sembra non arrivare mai”: una fase di declino percepito, ma sospesa, indefinita. Un’epoca che oscilla tra nostalgia e paura del futuro, tra bisogno di sicurezza e desiderio di libertà.

La questione non riguarda solo le istituzioni o i governi, ma il nostro atteggiamento collettivo. Siamo ancora capaci di assumere responsabilità? Di scegliere? Di esporsi?

La via dell’aretè

La risposta proposta è antica e insieme radicale: l’aretè, termine greco che indica la virtù nella sua forma più piena. Non una moralità rigida, ma una tensione verso l’eccellenza dell’essere. L’aretè comprende infinite forme di coraggio: quello intellettuale, che permette di pensare controcorrente; quello morale, che consente di difendere un principio; quello umano, che apre all’Altro.

Riscoprire l’aretè significa accettare la complessità del reale senza anestetizzarla. Significa uscire dalla bolla, incontrare ciò che è diverso, e forse anche ciò che ci mette in crisi. Perché solo attraversando il conflitto possiamo generare consapevolezza.

Un protagonista del dibattito pubblico

Vice Direttore del quotidiano La Verità, Borgonovo ha firmato editoriali e saggi dedicati ai grandi temi della politica, della cultura e dell’attualità italiana. Nel corso della sua carriera ha collaborato con programmi televisivi su Rai e La7, portando nel racconto mediatico uno stile diretto, analitico e spesso controcorrente.

Il suo intervento non è soltanto una conferenza, ma un invito alla riflessione: un percorso che attraversa le radici filosofiche e culturali del nostro presente per interrogarsi su quale spazio resti alla libertà, alla responsabilità e al coraggio personale.

📍 Informazioni e biglietti

Per partecipare all’evento e acquistare i biglietti è possibile consultare il link ufficiale:

👉 https://www.megliodiieri.it/s/spettacoli/stagione-2026/francesco-borgonovo-riscoprire-il-coraggio/

In un tempo che sembra preferire la superficie alla profondità, la domanda che resta è semplice e radicale: siamo ancora disposti ad avere coraggio?

Forse la risposta non è nei grandi proclami, ma nella scelta quotidiana di aprirsi a ciò che è Altro, a ciò che chiede salvezza.

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